martes, 20 de marzo de 2018

Mr. Dynamite: The Rise of James Brown [2014]



Si hay un músico paradigmático y único en el vasto universo de la música afroamericana ese es James Brown (1933-2006), cantante, compositor prolífico, arreglista, bailarín de altos quilates. Brown fue un auténtico remolino, un trabajador incansable, un continuo innovador, una escuela en sí mismo, el epicentro de una actividad volcánica que lo llevó a convertirse en el disciplinado director de una de las bandas más sensacionales y telúricas de la historia. James Brown consiguió llevar sus modos de iglesia inspirados en el gospel al rhythm & blues, que en los años sesenta, ya con conciencia racial, se transformó en lo que se denominaría posteriormente como soul e inundaría el planeta. Brown desarrolló el ritmo concentrado en estado puro que se bautizó como funk y que mantendría su popularidad y atractivo hasta el presente. En los setenta, el funk tuvo como hijo a la comercial música disco, el afrobeat de gente como Fela Kuti, y sirvió de base para la fundación del hip-hop: miles de temas de rap parten de grabaciones de Brown como "Funky Drummer", "Give It Up or Turn It Loose" o "Think About it". Por decirlo de alguna manera, el funk es una creación colectiva: todos los instrumentos se concentran en generar un cierto ritmo, a expensas de la melodía. James Brown tuvo la genialidad de implicar a instrumentistas imaginativos, muchos de los cuales siguieron productivas carreras en solitario: Alfred Pee Wee Ellis, Maceo Parker, Fred Wesley, William Bootsy Collins, pero sin la visión de un talento como James Brown, es posible que no hubieran pasado de ser nombres para coleccionistas. El Rey del Soul buscaba el momento adecuado para grabar: muchos de sus más grandes clásicos se hicieron en la ruta, entre actuación y actuación. No podía ser de otra manera, Brown se había ganado a pulso el título de "el trabajador más duro del mundo del espectáculo" debido a la intensidad de sus actuaciones y el número de conciertos: más de 300 en sus buenos años. Le gustaba alardear de la afilada precisión de sus bandas, sometidas a disciplina férrea, rayando lo militar: multas por retrasos, descuidos indumentarios, fallos musicales; y si el culpable se resistía, podía llegar a ponerse violento. Brown consiguió alcanzar una posición hegemónica durante la segunta mitad del siglo 20, el cual quedó marcado por la emergencia de la música afroamericana. Miles Davis obtuvo más respeto pero nunca logró su impacto comercial. Su influencia en la música ha sido tal que nombres como Mick Jagger, Serge Gainsbourg, David Bowie, Prince y Michael Jackson lo han reconocido como un gran inspirador en sus carreras. "Mr. Dynamite: The Rise of James Brown" es un documental producido justamente por Mick Jagger y dirigido por el experimentado Alex Gibney, que pone especial énfasis en su etapa más innovadora, creativa y prolífica, en la que cimentó el sonido del soul y creó el contagioso funk. Testimonios de miembros de su banda y otros músicos de la actualidad, extraordinarias imágenes nunca antes vistas y valioso material de archivo conforman un documental impactante que nos muestra a uno de los más grandes showman de la historia de la música contemporánea.

M-Link
Mr. Dynamite: The Rise of James Brown [2014]


.......................................................................................................................................

[Cómo descargar vía Torrent]

[Por qué Torrent]


Razón

> Por Biciman.©   

La razón es la flor más rara: sólo crece en el argumento destruido. Si todos tienen la verdad, el que juzga decide por instruido: si las instrucciones son heredadas o cómodamente legibles o fácilmente manipuladas, el resultado de su acción es redundante con su vapuleado instinto: decide por omisión (se abstiene) o decide lo que ya estaba decidido. Entonces la verdad es una metáfora, lo sólido no es tan sólido si no se toca, las pruebas no aprueban si no importan, y la realidad es imperturbable, aún si es dañina para sí mismo y su entorno íntimo. No alcanzan los números, las batallas, los huesos, ni la historia de todos los muertos para alumbrar la razón de cualquier vida: vivir mejor, o a veces seguir viviendo. Y todo argumento es ladrido y todo vecino es un perro. Pero un perro no desestima su experiencia: no todo humano es bueno, no todo humano es malo. ¿De qué depende? De cómo lo traten, ni más ni menos. La razón humana es rara: necesita la destrucción del fundamento para saber del error y probar de nuevo. Sólo en la crisis aflora la empatía, la conexión con la verdad del otro que es igual a la mía y que es siempre la misma: no todo vecino es bueno, no todo vecino es malo. Y si saber eso depende de lo instruido, y lo instruido es siempre lo mismo, hay una forma de variar el ciclo: volver al instinto, dejar la manada, aprender solo el camino. Y rehacer la verdad, gritar el argumento y decidir el destino, sin destruir nada, porque destruir la razón, la flor millonariamente única de todo pensamiento, es, inequívocamente, destruirse a sí mismo.

Tom Waits: Tales from a Cracked Jukebox [2017]



Creador y espejo de outsiders dados al alcohol y a la bohemia que pueblan ambientes tan sórdidos como románticos, tan míseros como fascinantes, tan teatrales como reales, Tom Waits es uno de los grandes personajes de la historia del rock, un crooner noctívago del lumpen, de los clubes de barrios bajos llenos de alcohol y humo. Artista único, ecléctico e inquieto, de voz lijosa, influenciado por la escritura beatnik de William Burroughs o Jack Kerouac y los sonidos primarios del jazz, el blues, el cabaret, las composiciones pop del Tin Pan Alley, la vanguardia, Lenny Bruce, Harry Partch, Louis Armstrong, el burlesque, Kurt Weill o el rock experimental, Waits ha conseguido construir un personaje musical singular. También ha trabajado como compositor de bandas sonoras y como actor en películas, tales como Bajo el peso de la ley , Drácula y The Imaginarium of Doctor Parnassus, y fue nominado al Óscar por la banda sonora de One from the Heart. Líricamente, las canciones de Waits presentan complejos retratos de lugares y personajes muy variados, aunque también muestra cierta inclinación por baladas más convencionales. Dada su poca repercusión mediática en televisión y radio, algunas de sus canciones son más conocidas a través de versiones hechas por otros artistas: tal es el caso de "Jersey Girl", interpretada por Bruce Springsteen, "Ol' '55", por The Eagles, y "Downtown Train", por Rod Stewart, entre otros. A lo largo de estas últimas tres décadas, Tom Waits ha ido consolidando, entre su creciente círculo de iniciados, la inquebrantable adhesión que despierta su obra entre todos aquellos que han convertido a este versátil y polifacético engendro en objeto de culto; alcanzando un grado de popularidad que ni siquiera alcanzan a atisbar artistas ya consagrados por razones más prosaicas y soporíferas. Usando imágenes inéditas, grabaciones de audio y entrevistas, "Tom Waits: Tales from a Cracked Jukebox" es un fascinante viaje fuera de hora a través del surrealista mundo iluminado por la luz de la luna de la música de Waits, un retrato de un músico pionero y de su cancionero único y marginal sobre la Norteamérica más oscura y desconocida.

M-Link
Tom Waits: Tales from a Cracked Jukebox [2017]


.......................................................................................................................................

[Cómo descargar vía Torrent]

[Por qué Torrent]


La bici de Penélope


Cada minuto de nuestras vidas
es una oportunidad para cambiarlo todo
. 
[Penélope Cruz]

The Groovy Sessions XI



>Tracklist

01- Impro - Julian Convex
02- STFU [Jazz Spastiks Instrumental Remix] - Pen Pals
03- Special Place - Jazzdrip
04- Poolside - Less Is More
05- Prismatic - Birocratic
06- Danger - DeKobe
07- Back In The Days - Slam53
08- Genius Jazzy Moon - Ash n' Soul
09- Midnight - Alter Ego
10- Bourbon And Cake - EMERLD


M-Link
The Groovy Sessions XI


Estrellas

> Por Lawrence Krauss.





Cada átomo en nuestro cuerpo vino de una estrella que estalló. Y los átomos en la mano izquierda probablemente vinieron de una estrella diferente que la mano derecha. Es realmente la cosa más poética que sé de la física: todos somos polvo de estrellas. No podríamos estar aquí si las estrellas no hubieran estallado, porque los elementos - el carbón, el nitrógeno, el oxígeno, el hierro, todas las cosas que importan para la evolución - no fueron creados al principio del tiempo. Fueron creados en los hornos nucleares de estrellas y la única manera para que terminaran en nuestro cuerpo es que esas estrellas fueron suficientemente amables para estallar. Así que olvídense de Jesús. Las estrellas murieron para que pudiéramos estar aquí hoy.

Teströl és lélekröl [2017]



La nieve cae. La tierra es ahora una alfombra blanca por la que caminan dos ciervos, envueltos en árboles muertos, bruma y soledad. Se observan a lo lejos. Caminan, se encuentran, se sienten. Hablan, él con su cuerpo, ella con sus ojos. Él la abraza; ella camina, huyendo. La pureza animal, escondida en el bosque, lejos del hacer humano, única y sola, se desenvuelve bajo un lúgubre cielo. Es la imagen perfecta de un sueño, de aquella totalidad intangible y mutable, gracias a la cual nuestra realidad se nutre, pero que es un breve reflejo, una simple copia de nosotros mismos. La realidad que plantea la directora húngara Ildikó Enyedi, creadora de "Teströl és lélekröl" (On Body and Soul), es distinta a aquella bella ensoñación del bosque níveo, quizás opuesta. En la realidad la alfombra es roja, roja de sangre, y en la realidad los hombres linchan animales para hacerlos comida, los árboles son máquinas y los sueños algo lejano que hay que olvidar para poder trabajar. Los ciervos que se encontraron aquella tarde en el bosque se han separado a luces de distancia y ahora deben buscarse en otros cuerpos, en otras almas, tan cercanos. El matadero que dirige Endre (Géza Morcsányi) se encarga de sacrificar animales de granja para luego procesarlos y comercializarlos como carne de origen animal. Las vacas son descabezadas y su sangre derramada en el piso y en las manos de operadores impasibles. Endre es un hombre sin pasión, cuya única actividad pareciera ser el trabajo y la rutina laboral. Imposibilitado de un brazo, siente que su estado lo detiene a realizar otra vida, la de sus sueños. Cuando una nueva profesional ingresa al matadero, surge un imperante deseo de conocerla: sus ojos son la reminiscencia de algo en su memoria. El personaje de la impecable Alexandra Borbély se llama María y es la encargada de controlar la calidad de la carne del matadero. Su personalidad obsesiva y metódica, su comportamiento antisocial y restringido, y su brillante memoria la transforman en un ser atractivo y único para Endre. Ildikó Enyedi logra iniciar su película, ganadora de la Berlinale 2017, con una secuencia casi documental, en la cual la indiferencia y la objetividad crean un contexto glacial en el cuál se abrirá una historia de amor, sin romance ni erotismo. La oposición entre las fuertes imágenes del matadero y la suavidad y gracia con que se relacionan Endre y María generan en el espectador una fuerte empatía hacia ellos. El relato lentamente se adentra en su intimidad. De la gran e imponente estructura del matadero, cuna de la tortura y el sufrimiento animal, pasaremos a aquella plenitud sólo esbozada en sueños, en donde la libertad y los deseos fluyen sin condiciones. Casi por casualidad, Endre y María se enterarán que comparten el mismo sueño: ella es el ciervo al otro lado del lago, él es quien la ha abrazado. Se iniciará entonces una relación particular entre ambos. Ahora los días laborales serán distintos: un pequeño secreto se está gestando. Encuentros oníricos, fugaces y ocultos comienzan a suceder. Pero la cobardía de Endre y María para concretar los deseos que se revelan en sus sueños hará más dificultosa la conclusión. Y la realidad volverá a sangrar, como en el matadero, herida por la imposibilidad de los anhelos. "Teströl és lélekröl" es un relato delicado sobre la incomprensión de los cuerpos, esos que se encuentran y se pierden en cualquier lado, cualquier día, al azar y sin reglas, como en los sueños.

M-Link
Teströl és lélekröl [2017]


.......................................................................................................................................

[Cómo descargar vía Torrent]

[Por qué Torrent]


La bici de Jake


Unos fuman, otros beben, otros se drogan y otros se enamoran...
Cada quien se mata a su manera
. 
[Jake Gyllenhaal]

The Curious World of Hieronymus Bosch [2016]



En los días de "El Bosco" (1450-1516) se escuchaba un proverbio: "La entrada al Infierno está en el culo del Diablo". Es esta clase de verdad soez o conocimiento humorístico popular lo que impregna a sus obras pictóricas de vitalidad, vigencia y un sentido cómico de la tragedia, por llamar de algún modo a su singular estilo. Y es que Hieronymus Bosch es sin duda uno de los mayores iconoclastas de la Historia, en una acepción rigurosa del término: iconoclasta es aquel que deja de venerar íconos. La pregunta que se plantea, entonces, a 500 años de distancia, es: ¿por qué "El Bosco", que trastocaba todos los símbolos que tenía a su alcance, terminó convirtiéndose él mismo en ícono? En medio del clima artístico con tendencias realistas del gótico tardío y el Renacimiento temprano, el pintor holandés Hieronymus Bosch, "El Bosco", constituyó una extraordinaria anomalía. Sus pinturas están pobladas de escenas grotescas protagonizadas por seres surrealistas que sucumben a toda índole de fantasías, angustias y anhelos humanos. Una de sus grandes genialidades fue tomar las representaciones figurativas y escénicas conocidas como drolleries, que utilizan monstruos y seres grotescos para ilustrar los pecados y el mal, y trasladarlas de los márgenes de los manuscritos a pinturas en retablos de gran formato. Junto con los híbridos tradicionales de hombre y bestia, como los centauros, y criaturas mitológicas como unicornios, diablos, dragones y grifos, encontramos también incontables monstruos surgidos de la imaginación del artista. La obra de "El Bosco" (cuyo nombre era en realidad Jheronimus van Aken) ha sido objeto de profusas copias e imitaciones: de hecho, el número de obras de discípulos de "El Bosco" que ha llegado hasta nosotros supera en más de diez veces la producción del propio maestro. En la actualidad, sólo una veintena de pinturas y algunos dibujos se atribuyen con total certeza a la mano de "El Bosco", quien continúa siendo considerado un visionario, retratista de sueños y pesadillas, además del pintor por antonomasia del averno y sus demonios. "The Curious World of Hieronymus Bosch" es un documental que nos adentra en el mundo de "El Bosco", a través de la exposición “Jheronimus Bosch: Visiones de un genio” que tuvo lugar en su ciudad natal 's-Hertogenbosch (Holanda) en 2016, con motivo de los 500 años de su muerte. En el Noordbrabants Museum se exhibieron 17 de los 24 cuadros que existen del pintor, así como 19 de los 20 dibujos que se le atribuyen, de modo que fue la exposición más exhaustiva jamás hecha sobre él. Intercalando comentarios con apreciaciones de estudiosos y expertos en historia del arte, se narra su vida, se describe su época y se enseñan con gran dedicación sus cuadros, algunos de manera especial – El vendedor ambulante, La nave de los locos, El jardín de las delicias – desentrañando los pequeños detalles, los hallazgos, las constantes del artista, los motivos de fondo. Además de destacar la originalidad creativa del hombre que "pintaba los sueños", "The Curious World of Hieronymus Bosch" dedica tiempo a hablar de la perspectiva cristiana que empapa sus obras, el afán del pintor por ofrecer una visión moral que hablara de las consecuencias del pecado, y se convierte en la mejor manera de recorrer, de modo visual e inmersivo, una de las grandes exposiciones plásticas e históricas de los últimos años.

M-Link
The Curious World of Hieronymus Bosch [2016]


.......................................................................................................................................

[Cómo descargar vía Torrent]

[Por qué Torrent]


> Por Biciman.©  



Un sí...
Un sí sin...
Un sí sin pero...
Un sí sin pero si...
Un sí sin pero si no...
Un sí sin pero si no sí.





Chasing Trane: The John Coltrane Documentary [2016]



En "Chasing Trane", el documental de John Scheinfeld sobre la vida y obra de John Coltrane (1926-1967), aparece más de una vez la palabra “espiritual”. A estas alturas es casi una muletilla para hablar de su música, pero, a falta de palabras - por ejemplo, ante temas tales como “Alabama” o “Equinox” o “Naima” o “India” o “Afro Blue” o precisamente “Spiritual” - quizá sea un término ajustado o en todo caso propenso a ser llenado como a uno mejor le plazca. Pero es muy difícil concentrarse en otra cosa mientras está sonando el cuarteto o el quinteto de Coltrane, pues ese sonido no sólo pone a prueba el estereotipo del jazz en tanto como música de acompañamiento, sino, aún más, su pertenencia a un género específico. Al parecer, uno de los desafíos del documental - estrenado a cincuenta años de su muerte demasiado prematura- estuvo precisamente en recuperar de la música de Coltrane su resistencia, o por lo menos sus reparos, a la hora de intentar encasillarla incluso dentro de la historia del jazz, mediante entrevistas a músicos de rock como John Densmore, al rapero Common, al filósofo Cornel West o a aficionados famosos como Bill Clinton. Además, las declaraciones de los propios jazzistas negros - Percy Heath, Benny Golson, Winton Marsalis, Ravi Coltrane y las dos únicas leyendas del jazz aún vivas, McCoy Tyner y Sonny Rollins - rehúyen cualquier comentario musical para concentrarse en el anecdotario o en el sentido testimonio de una amistad entrañable. Así, el peso del documental recae sobre John Coltrane en cuanto a personalidad: sus propios dichos en la voz de Denzel Washington, imágenes poco conocidas del músico en familia, el testimonio de sus hijos sumado al de un fanático japonés, se dirigen a hacer de John Coltrane, más que un músico, el portador de un mensaje celestial. Con el añadido de rigor: victorioso en la lucha contra las drogas. "Chasing Trane" exhibe entonces el retrato de un héroe. La película persigue una línea cronológica en la trayectoria artística y biográfica de Coltrane; el entorno metodista de la infancia, la muerte del padre, sus inicios dubitativos en una banda militar, Naima, el golpe que significa (como para todo músico) encontrarse a Charlie Parker, su participación en la banda de Dizzy Gillespie, la adicción a la heroína, el trabajo (y los problemas) con Miles Davis, el trabajo (y la dicha) con Monk, el abandono de las drogas, la ruptura con Naima, la vida junto a Alice, el cuarteto de la consagración y el quinteto final, cuando Coltrane se despide definitivamente de la tonalidad y rearma su grupo incorporando a Rashied Ali, Alice Coltrane y Pharoah Sanders. La narración de Scheinfeld se sirve de esta cronología para intercalar entrevistas, aspectos biográficos del músico y el contexto histórico enfocado en la lucha racial, especialmente tratado con intensidad a partir de la voz de Martin Luther King junto a la soberbia composición e interpretación de “Alabama”. En definitiva, "Chasing Trane" es un completísimo dossier sobre una de las figuras más relevantes no sólo del jazz, sino de la música del siglo 20.

M-Link
Chasing Trane: The John Coltrane Documentary [2016]


.......................................................................................................................................

[Cómo descargar vía Torrent]

[Por qué Torrent]


La bici de Marina & Marcello


No sé si creo en el amor...
Pero creo en la felicidad de dos cuerpos conectados. 
[Marcello Mastroianni, con Marina Vlady]

Heart Of A Dog [2015]



"Cuando mi padre murió lo pusimos en la tierra, cuando mi padre murió, fue como si una biblioteca entera se hubiese quemado". [Laurie Anderson]
 
En el documental "Heart of a Dog" la multifacética artista Laurie Anderson realiza una delicada reconstrucción de la propia experiencia del dolor frente a la muerte. En un film exploratorio y a la vez expiatorio, narra la vivencia íntima y doméstica de las ausencias que la confrontan con el amor, el paso del tiempo, la existencia y la conciencia de la finitud. Con su voz en off, relata la pérdida de su amada perra Lolabelle, de su madre y de su esposo, el músico Lou Reed; y lo hace con la sutileza del humor, en un tono y registro que oscilan entre el video diario y una home movie existencial. Lo hace, también, convencida de que, como enunció el filósofo austríaco Wittgenstein, "los límites de mi lenguaje son los límites de mi mundo". Anderson no sólo pone en palabras aquello que se propone compartir; también recurre a fragmentos de viejas películas familiares rodadas en 8mm, animaciones, pinturas, grabaciones caseras, fotos. Los recuerdos se desgranan desde sus sonidos, olores, anécdotas de infancia, en secuencias poético-confesionales que brindan una lúcida interpretación de ideas sobre la vida, el amor, el dolor y la muerte. Las ausencias parecen operar como recuerdos que se alternan en el tiempo, en una espiral que vuelve una y otra vez sobre textos, música, dibujos, dialogando con la filosofía budista tibetana, con Søren Kierkegaard, Ludwig Wittgenstein, David Foster Wallace, con ecos del existencialismo sartreano y de la generación Beat americana, todo reformulado y reinterpretado en imágenes que le permiten trazar una suerte de cartografía videográfica por el territorio de su memoria, reexaminado en contexto, frases, situaciones, evocaciones y cotidianas expresiones de la vida compartida junto a su perra y su esposo. Anderson habla en el film sobre el lenguaje y la imposibilidad de abordar la pérdida, pero también crea una honesta y brillante oda de amor de 75 minutos hacia su perra, la relación con nuestros seres queridos, los recuerdos compartidos, las vivencias del ámbito doméstico o la reflexión política sobre la sociedad, y cómo fortalecerse en lo espiritual y continuar frente a la desaparición física. En las imágenes sólo traduce con honda belleza estas pérdidas: es recurrente ver los planos intervenidos por texturas, filtros, o aplicar el recurso de capturar rostros o paisajes mediados por vidrios con gotas de lluvia deslizándose, que bien podría guardar cierta analogía con el loop en el terreno musical. En 1986 Laurie Anderson dirigió "Home of the Brave", registro de su recital/perfomance del álbum homónimo, donde cantaba parafraseando al escritor William Burroughs que "el lenguaje es un virus". Cerca de 20 años después y atravesada por otras vivencias, ella consigue en "Heart of a Dog" poner en escena la aserción del filósofo danés Kierkegaard: "la vida sólo puede comprenderse al mirar hacia atrás y sólo puede vivirse mirando hacia adelante".

M-Link
Heart Of A Dog [2015]


.......................................................................................................................................

[Cómo descargar vía Torrent]

[Por qué Torrent]


Un perro ha muerto

> Por Pablo Neruda.

Mi perro ha muerto. Lo enterré en el jardín junto a una máquina oxidada. Allí, no más abajo ni más arriba, se juntará conmigo alguna vez. Ahora él ya se fue con su pelaje. Su mala educación, su nariz fría. Y yo, materialista que no cree en el celeste cielo prometido para ningún humano, para este perro o para todo perro, creo en el cielo, sí, creo en un cielo donde yo no entraré, pero él me espera ondulando su cola de abanico para que yo al llegar tenga amistades. Ay, no diré la tristeza en la tierra de no tenerlo más por compañero, que para mí jamás fue un servidor. Tuvo hacia mí la amistad de un erizo que conservaba su soberanía, la amistad de una estrella independiente sin más intimidad que la precisa, sin exageraciones: no se trepaba en mi vestuario llenándome de pelos o de sarna, no se frotaba contra mi rodilla como otros perros obsesos sexuales. No, mi perro me miraba dándome la atención que necesito, la atención necesaria para hacer comprender a un vanidoso que siendo perro él, con esos ojos, más puros que los míos, perdía el tiempo, pero me miraba con la mirada que me reservó toda su dulce, su peluda vida, su silenciosa vida, cerca de mí, sin molestarme nunca, y sin pedirme nada. Ay, cuántas veces quise tener cola andando junto a él por las orillas del mar, en el invierno de Isla Negra, en la gran soledad: arriba el aire traspasado de pájaros glaciales, y mi perro brincando, hirsuto, lleno de voltaje marino en movimiento: mi perro vagabundo y olfatorio enarbolando su cola dorada, frente a frente al Océano y su espuma. Alegre, alegre, alegre como los perros saben ser felices, sin nada más, con el absolutismo de la naturaleza descarada. No hay adiós a mi perro que se ha muerto. Y no hay ni hubo mentira entre nosotros. Ya se fue y lo enterré, y eso era todo.

miércoles, 20 de diciembre de 2017

Morphine: Journey of Dreams [2014]



En 1993 los Smashing Pumpkins editaban "Siamese Dream". Al otro lado del charco, empezaba a crecer imparable el britpop mientras que unos desconocidos Radiohead debutaban. Pero debajo de este cúmulo de futuros clásicos, había grupos underground que estaban trabajando fórmulas que iban más allá de los cánones que el indie rock empezó a predicar años antes. Entre ellos Morphine, que con su segundo álbum, "Cure For Pain", confeccionaron uno de los mejores discos del año y su obra cumbre. Al igual que otros grupos del under norteamericano, su ámbito de difusión como grupo de culto se producía sobretodo en radios universitarias, como en antaño hicieran REM o los Pixies. Pero a diferencia de estos y del resto de héroes del indie rock, del noise y del grunge, ellos no utilizaban guitarras. Mark Sandman, líder y vocalista del trío, tenía la experiencia de haber participado anteriormente en Treat Her Right, un grupo de blues rock, pero fue más allá. Sandman recogió esa experiencia para formar uno de los grupos más interesantes que dio la década de los 90: Morphine. No necesitaban guitarras para los inusitados cambios de ritmo o estridentes distorsiones. Lo suyo era el jazz rock. Los instrumentos que utilizaban: una batería, un saxo y un bajo. Y este bajo, que era el arma de Sandman, simplemente tenía dos cuerdas. No era necesario más para perpetrar ese sonido grave y violento, combinado con infalibles ritmos del saxofón de Dana Colley, que a veces tocaba hasta dos saxos a la vez. El resultado no podía ser mejor: un jazz rock con dejes de clasicismo rock, que sonaba ofensivo, sexual y con el alma callejera del blues. No era un grupo más; Morphine no era un grupo convencional. Y aunque se sabía poco de la vida personal del prolífico Mark Sandman, se especulaba con que las letras eran autobiográficas, algo que no extraña, conociendo algunos capítulos negros de su vida. Esas desdichas encajaban a la perfección con el jazz y el blues, vehículo de expresión para el escarnio, el descaro y las conjuras de los malditos. Él era el alma máter del grupo, y las canciones de Morphine eran el reflejo de su creatividad. No obstante, el destino es caprichoso y quiso llevarse del mundo a Sandman a los 46 años de edad, de una forma trágica. Sufrió un infarto el 3 de julio de 1999, truncando la carrera del grupo, durante el festival italiano "Nel Nome del Rock" (Palestrina, Roma), en el escenario de Los Jardines del Príncipe. En 2014 y luego de cinco años de investigación y filmaciones, el director Mark Shuman pudo plasmar en celuloide su oda personal a la banda, "Morphine: Journey of Dreams" es un merecido homenaje al grupo de Massachusetts, retratado a través de entrevistas a los ex miembros de la banda y fotografías y videos inéditos de su fugaz pero intensa trayectoria por la escena rockera mundial. Si la década de los noventa fue una de las más ricas e influyentes en la música rock contemporánea, sin dudas los Morphine figuran en el podio de los artistas más creativos de ese decenio y más allá. Y este dossier exclusivo es una fina e irrefutable prueba de su meritorio lugar como íconos de la música alternativa.

M-Link
Morphine: Journey of Dreams [2014]


.......................................................................................................................................

[Cómo descargar vía Torrent]

[Por qué Torrent]


Redes

> Por Biciman.©   
 
Comparto. Y otros comparten lo que comparto. Nos multiplicamos y cuidamos nuestras fuentes de información, que somos nosotros mismos. Es el instinto de la solidaridad inteligente, la ética primitiva de la evolución: te ayudo para que me ayudés. Así pensaban los primeros organismos pluricelulares, así nos convertimos en lo que somos hoy. El ordenamiento capitalista y sus derivados funcionales son la más clara excepción a esa regla milenaria, y suena redundante y conspirativo porque lo es, es el conspirador retrógrado, la involución crónica, el motín vanidoso de la tribu. Son seres que piensan al revés: me ayudo para que te ayudés, si yo puedo vos también, y sino desaparecé. Es el tumor que mata sin entender, que ataca lo sano porque atacar está bien, porque si vos no desaparecés desaparezco yo. Y, como el cáncer, termina matándose a sí mismo. No es necesario ser sociólogo ni científico ni ingeniero ni partidario de nada para entender esto. Basta con apelar al más común de los sentidos: la supervivencia. Existen otras formas de vivir, de organizarse, de gobernar y ser gobernado. Y si hay que vivir en el egoísmo de un proceso infectado, entonces yo soy mi cuerpo, yo defiendo mi estado, con la lucidez del que no gana pero intenta, del que no sabe pero aprende, del que no tiene pero comparte. En malestar o bienestar yo comparto. Y otros comparten lo que comparto. Y entre todos nos cuidamos. Y si el tumor no entiende, hay que matarlo con la diferencia: vos podrás con mi ánimo, pero nunca podrás con mi estado.

Gimme Danger [2016]



Es sabido que el género documental vive hoy una de sus mejores épocas, tal vez una segunda edad de oro, aprovechando sus potencialidades con trabajos que trascienden el carácter informativo de este tipo de cintas para adentrarse plenamente en las sugestivas áreas de todo tipo de corrientes artísticas. Fue muy astuto James Newell Osterberg Jr., universalmente conocido como Iggy Pop, cuando le propuso la realización de "Gimme Danger" a un autor con un dominio tan completo del oficio cinematográfico. Jim Jarmusch, el maestro de los relatos deshilvanados, minimalistas y cercanos a la abstracción, ha mantenido una inseparable relación con la música a lo largo de su filmografía. Muestra de ello son obras como "Mystery Train" (1989), "Only Lovers Left Alive" (2013) y, sobretodo, "Year of the Horse" (1997), el documental sobre Neil Young & Crazy Horse en el que Jarmusch se aproximó al espíritu de la banda rodando en video y cintas de Super 8, con lo que lograba recrear de manera precisa el carácter lo-fi despellejado de tan legendaria máquina de rock. De igual forma, en "Gimme Danger", el director narra las desventuras del grupo The Stooges apropiándose de la estética del movimiento punk: la tipografía de los intertítulos, los segmentos de cine de animación que beben directamente del cómic underground y, fundamentalmente, el collage. En este film vemos intercaladas con las entrevistas a los protagonistas y el material visual de archivo, las fugaces estampas, entre otros, de Marlon Brando, Elvis Presley, Morticia y Gómez de La Familia Addams o las pinturas barrocas de Caravaggio, que le imprimen a la película un talante tan inesperado y divertido como burlón. No podía ser de otro modo, ya que el principal narrador de esta historia es el líder de la banda, Iggy Pop: ícono rock por excelencia, incombustible y visceral, lleno de atractiva multiplicidad. The Stooges comenzaron en Detroit (una de las ciudades fetiche de Jim Jarmusch) a finales de los años sesenta y enseguida dieron que hablar con sus actuaciones en vivo, en gran medida por la provocadora y salvaje actitud de su frontman. En 1969 llegaría el contrato con Elektra Records y la publicación del álbum debut que iniciaría un duro período para el grupo, lleno de confusión y desgaste. Maltrechos por las funestas críticas y las presiones de la compañía discográfica, The Stooges cayeron en la alcantarilla sin fondo del abusivo consumo de drogas. Un par de discos más tarde se disolvieron. Y si en el presente son considerados como uno de los conjuntos más influyentes en la historia del rock, artífices de canciones punk años antes de la aparición del término, se debe sin duda a la rebelde honestidad y exultante pasión con la que grababan discos y actuaban en directo. Por todo esto, el momento álgido del documental es la secuencia que muestra de manera apoteósica los homenajes en forma de versiones del excitante tema "I Wanna Be Your Dog", interpretado en vivo por algunas de las mejores bandas de las últimas décadas. Aunque sea de carácter póstumo en el caso de varios de los componentes de los Stooges, se podría decir que el "karma del punk" ha recompensado a estos héroes con su merecido reconocimiento. Como sentencia el propio Jim Jarmusch al comenzar la película, impregnando de manera explícita todo el metraje con su entusiasmo y fervor por el grupo, The Stooges son "the greatest rock 'n' roll band ever".

M-Link
Gimme Danger [2016]


.......................................................................................................................................

[Cómo descargar vía Torrent]

[Por qué Torrent]


La bici de Elsa


No hay nada más elegante que la naturaleza. 
[Elsa Martinelli]

Música para la bici 20 - #buenanoche



>Tracklist

01- Buena - Morphine
02- Nightclubbing - Iggy Pop
03- Ulysses - Franz Ferdinand
04- Stone's Gone Up - David Lynch
05- You Need The Drugs - Westbam [Feat. Richard Butler]
06- Tonight - Colder
07- The Only Time - Nine Inch Nails
08- Dirge 2 - Death In Vegas
09- Super Sex - Morphine
10- Wishin Well - David Lynch


M-Link
Música para la bici 20 - #buenanoche


Memes

> Por Richard Dawkins.



Tenemos el poder de desafiar a los genes egoístas de nuestro nacimiento y, si es necesario, a los memes egoístas de nuestro adoctrinamiento. Incluso podemos discurrir medios para cultivar y fomentar deliberadamente un altruismo puro y desinteresado: algo que no tiene lugar en la naturaleza, algo que nunca ha existido en toda la historia del mundo. Somos construidos como máquinas de genes y educados como máquinas de memes, pero tenemos el poder de rebelarnos contra nuestros creadores. Nosotros, sólo nosotros en la Tierra, podemos rebelarnos contra la tiranía de los replicadores egoístas.

Sameblod [2016]



"Sameblod" (Sangre Sami) comienza con una anciana que asiste, a regañadientes, al funeral de su hermana. Nada se sabe de ella, salvo que se llama Christina y que debe trasladarse a otro lugar para la ceremonia. Todo ese pasado la incomoda, la pone de malhumor. Su hijo, y esa familia que transita el duelo, no parecen importarle tanto como ese incierto malestar que la invade. Christina camina por los espacios abiertos que definen la ópera prima de la directora sueca Amanda Kernell, con el peso de su dolor a cuestas. Esa tenue luz de la aurora boreal sigue sus pasos sobre el suelo árido, se mezcla con el viento frío, con la triste mirada de una culpa silenciada. Lentamente el pasado se abre con una presencia concreta y dolorosa. Dos hermanas de sangre Sami (llamadas laponas) viven en los años 30 entre montañas y una bruma espesa, en las cercanías del círculo polar ártico, dentro del territorio sueco. Su convivencia con esa territorialidad, dominada por leyes y autoridades ajenas, es conflictiva e impulsa a su familia a afirmar su sensación de extranjeros. Muerto el padre llega la escuela, lugar de socialización que se revela como escenario de maltrato y marginación. Allí todo les será negado: su lengua, sus costumbres, su identidad. La mayor de ellas, Elle Marja (la formidable Lene Cecilia Sparrok), es el punto de entrada a ese mundo: su rostro luminoso y aniñado carga con el peso de todo primogénito, el deber de protección, la necesidad de liderazgo. Kernell dirige a su joven actriz con una sensibilidad admirable, escapando de cualquier estereotipo y haciendo de ella un personaje tenaz y ambivalente. Pronto Elle Marja será Christina, llevará el nombre de su maestra, la misma que la castiga con el puntero y le regala libros. La Christina original es alta y rubia; es sueca, educada y representante del orden institucional. Es todo lo que Elle Marja no puede ser, más aún todo lo que la sociedad le recuerda que nunca será. Christina, nombre y destino, será la identidad nacida de la vergüenza y la negación. Kernell esquiva los lugares comunes para retratar la xenofobia y el racismo internalizado en Suecia desde principios del siglo 20. De hecho, su mirada recuerda los relatos de Ingmar Bergman, cuando con su padre recorría los templos protestantes de su país, y el apoyo al naciente nacionalsocialismo era algo lógico y esperado de esa comunidad. La percepción de los lapones como seres biológicamente inferiores, casi salvajes, responde a una forma de pensamiento extendida en Europa y que hoy no parece tan extraña. Inmigrante en su propio país, Elle Marja se hace pasar por sueca, atenaza su cuerpo y arranca sus raíces, porque debe sobrevivir en un mundo para el que su diferencia es intolerable. Su madre, su abuelo y su hermana se mantienen en una comunidad cerrada, que resiste los embates exteriores en el abroquelamiento, en el refugio que su propia cultura le ofrece. Elle Marja sale al mundo, lo padece, lo transita bajo ese árido viento que la desgarra. Toda su vida caminará a la intemperie, desnuda de los suyos, solitaria con su propia conciencia. "Sameblod", premiada en los principales festivales de cine independiente del mundo, es un relato realista y conmovedor, sobre la Europa que no conocemos.

M-Link
Sameblod [2016]


.......................................................................................................................................

[Cómo descargar vía Torrent]

[Por qué Torrent]


La bici de Marcel


Mi capital es el tiempo, no el dinero. 
[Marcel Duchamp]

David Lynch: The Art Life [2016]



"David Lynch: The Art Life" podría considerarse un atisbo del mundo de un artista complejo e inimitable que intenta explicar la génesis y el desarrollo de su proceso creativo y que transmite la sensación de que su forma de trabajo está mucho más cerca de la de un artesano que de la de un idealista. El documental, dirigido a seis manos por Jon Nguyen, Rick Barnes y Olivia Neergaard-Holm, también deja entrever la parte más desconocida de un Lynch que, aparte de entregarse al arte, también fuma como un escuerzo, conduce su auto por las calles de Los Ángeles como un hombre de su edad (71 años) y juega a las comiditas con su pequeña hija Lula. Este es Lynch el artista, más que Lynch el cineasta. Y como buen simbolista, para explicar su arte, Lynch se retrotrae a la imaginería de su infancia y juventud, relatando anécdotas y encuentros que para el Lynch niño fueron determinantes: esa noche en la que vio por primera vez a una mujer totalmente desnuda (y con la boca ensangrentada) y le pareció estar presenciando "algo de fuera de este mundo", esa vez en la que visitó una morgue y pasó la noche mirando cadáveres en silencio, o esos tiempos en los que jugaba en un charco de barro a la sombra de un árbol en su casa de Sandpoint. Uno de los mayores atractivos de "David Lynch: The Art Life" es la cantidad de metraje perteneciente a los videos caseros de la familia y que abarcan desde los años cincuenta hasta finales de los setenta. Como en una especie de terapia psicoanalítica freudiana, Lynch va desgranando esos momentos, a su juicio claves, que hicieron que pasase del estupor de la niñez a la incesante búsqueda del artista adulto. "David Lynch: The Art Life" se erige como un monólogo documental que nos muestra a un personaje a sus setenta años como nunca antes se había conseguido. Quizá no veamos lo que hay tras la cortina roja, pero sí lo que hay antes de ella. Sin subterfugios ni bombas de humo. El uso de más de veinte audios grabados durante tres años, sus anécdotas y su plasmación en pantalla, consiguen que el documental no sea sólo un complemento a la interesantísima obra del autor, sino un largometraje a tener en cuenta por su valía individual, como documento y como obra de arte en sí mismo.

M-Link
David Lynch: The Art Life [2016]


.......................................................................................................................................

[Cómo descargar vía Torrent]

[Por qué Torrent]


Flechas

> Por Biciman.©   




Un rechazo es una flecha
hacia otra dirección
no se grita ni se pena
sino sería una orden
y a mí nadie me ordena
porque yo soy otra flecha
hacia otra dirección.





Christmas '77 with the Sex Pistols [2013]



La vida y milagros de los Sex Pistols ha sido relatada profusamente en artículos de prensa, libros, documentales e incluso películas, contribuyendo a convertir a la banda que trató de moldear el desaparecido Malcolm McLaren en el grupo punk más conocido de todos los tiempos. Ninguna otra banda del estilo ha tenido tanta repercusión en la cultura popular, a años luz de la cosechada por The Clash incluso. Con opiniones a favor y en contra, es un hecho ineludible que los Sex Pistols siempre simbolizarán la explosión del punk rock británico del año 1977. Una explosión y un año del que ahora se celebran cuatro décadas, exactamente el mismo aniversario que cumple “Nevermind the Bollocks, Here’s The Sex Pistols”, el accidentado debut (y a la postre único álbum “real”) del probablemente cuarteto más infame surgido en la historia musical de Inglaterra. Tal vez el mejor documental sobre los Sex Pistols, "Christmas '77 with the Sex Pistols" muestra a la banda en su última presentación en el Reino Unido semanas antes de implosionar en su gira estadounidense. El metraje, con clips añadidos de una Inglaterra en descomposición y entrevistas con los tres miembros supervivientes, pone todo el asunto en un nuevo contexto. Como un moderno villancico de Navidad, es un juego dickensiano ambientado en los tristes y oxidados finales de los setenta que entretiene sin perder el peligro y el brillo emocionante de la banda cuyo efecto en la cultura rock aún se siente. Brillantemente reunidos por Julian Temple, que filmó ese trascendental recital en 1977, el film retrata el concierto benéfico para los bomberos en huelga de Huddersfield el día de Navidad del '77. Aunque eran prohibidos en la mayor parte del Reino Unido y escapaban a escondidas para tocar bajo el apodo de "Spots", los Pistols eran los cuatro jinetes anticristos que enfrentaban la bancarrota cultural y moral de Inglaterra y que en un concierto en Huddersfield y tocando para los hijos de unos bomberos en huelga, lograron disipar todos los mitos que los rodeaban. Un documento histórico para atesorar, presentado por el inquebrantable Johnny Rotten.

M-Link
Christmas '77 with the Sex Pistols [2013]


.......................................................................................................................................

[Cómo descargar vía Torrent]

[Por qué Torrent]


La bici de Brigitte & Jean-Louis


Cuanto más conozco a los hombres más me gusta mi perro. 
[Brigitte Bardot, con Jean-Louis Trintignant]

Kedi [2016]



En la relación entre lo urbano y lo salvaje, la figura del gato constituye uno de los puntos de unión más ambiguos. El cambio constante en esta relación, forzado por los cada vez más imparables procesos de expansión de las grandes urbes, tiende a generar sentimientos de pérdida. Cada metro cuadrado de naturaleza que claudica bajo el cemento puede ser percibido como un nuevo paso que nos aleja cada vez más de una armonía antigua. El gato (y en especial el callejero) cuenta con el suficiente instinto cazador como para sobrevivir en ese caos de forma independiente, pero a la vez con una capacidad para ahorrarse el molesto trabajo de conseguir alimento mediante la explotación del humano, como si el minino fuera consciente de su capacidad para fascinar a esa especie que dedica numerosas horas de su vida a la contemplación de videos protagonizados por sus congéneres (hay una lógica hilarante en que YouTube, la mayor canalizadora de la pasión por los videos de gatitos, sea una de las distribuidoras de "Kedi"). Y es la peculiaridad de esta relación humano-animal la que el documental explora con una dedicación extraordinaria. Inspirada por los propios recuerdos de su infancia en Estambul, la directora Ceyda Torun nos presenta la capital turca como una ciudad en la que el fenómeno de los gatos callejeros, por su número y su perfecta integración en los barrios populares, supone una parte vital de la idiosincrasia del lugar. En su afán por trascender la mera condición de anecdotario, "Kedi" apuesta por la coralidad narrativa y por la supeditación de su fotografía a la perspectiva felina. "Kedi" se limita, libre cual felino, a deambular por la ciudad saltando de relato en relato, observando cómo, mientras sus protagonistas cuadrúpedos ensayan poses de eficaz indiferencia, sus contrapartes humanas proyectan sobre ellos inquietudes, afectos, necesidades de autoestima e incluso reflexiones teológicas. Y lo que termina de redondear la cinta no es sólo su capacidad para crear (o recrear, si nos contagiamos del convencimiento de la película en su fidelidad a la esencia de Estambul) un pequeño mundo valioso, sino su testimonio de un tiempo que se desvanece. Los gatos de Estambul nos hablan de una evolución dentro de la propia forma de experimentar lo urbano. Sobre las historias planea la amenaza de desaparición de esa armonía entre gatos y humanos, que se manifiesta de forma más directa cuando un pescador habla del nuevo proyecto gentrificador de turno: un proyecto de zona de oficinas que acabará con los oficios más tradicionales y negocios humildes del barrio. "Nos preocupa el futuro de los gatos más que el nuestro", afirma el hombre. Y el temor que esconde la frase es ese porvenir de rascacielos y seres trajeados sin tiempo para gatos, a su vez expresión de especial viveza de lo que ocultan las mieles del nuevo capitalismo y las economías globalizadas. Al fin y al cabo, no sólo los gatos son las potenciales víctimas de este nuevo paradigma que ya no es que amenace a la diversidad natural, sino a la propia diversidad humana. Este leve sabor elegíaco de "Kedi" nos recuerda que la figura del gato callejero (la misma que las políticas "civilizadas" consideran algo a erradicar) es también la expresión de una vivencia de lo urbano, libre, relajada y abierta.

M-Link
Kedi [2016]


.......................................................................................................................................

[Cómo descargar vía Torrent]

[Por qué Torrent]


Gatos

> Por Charles Bukowski.  





Lo sé, lo sé. Son limitados, tienen diferentes necesidades e intereses. Pero los observo y aprendo. Me gusta lo poco que saben, y es tanto. Se quejan pero nunca se preocupan, andan con sorprendente dignidad. Duermen con una sencillez directa que los humanos no pueden entender. Sus ojos son más bonitos que los nuestros y pueden dormir veinte horas al día, sin dudas ni remordimientos. Cuando me siento mal me basta con mirar a mis gatos y mi valor regresa. Estudio a estas criaturas. Son mis maestros.

lunes, 3 de julio de 2017

Pulp: A Film About Life, Death and Supermarkets [2014]



Pulp fue un grupo creado en Sheffield, Inglaterra, a finales de los 70, aunque su primer disco se editó en 1983. Del grupo destaca su carismático líder, Jarvis Cocker, uno de los estandartes del britpop. La destreza a la hora de componer letras de Cocker fue creciendo y obtuvo su mayor reconocimiento en la mitad de los 90 con discos alabados como "His 'n' Hers" o "Different Class". Pulp apostó también por una estética de grupo uniforme muy bien cuidada, ya que se han visto influenciados por grupos como Roxy Music o cantantes como David Bowie. La cumbre de la popularidad de Pulp llegó con la edición en 1995 de "Different Class", para muchos su mejor disco. Los sencillos más conocidos de este álbum son: "Common People", "Disco 2000", "Something Changed", entre otros. En 1998 publicaron "This Is Hardcore", para muchos el disco más oscuro de Pulp. Sus ventas no igualaron a "Different Class", pero fue bien recibido por la crítica. El último disco de Pulp, "We Love Life", fue editado en 2001. A causa de las bajas ventas de este disco, su discográfica les rescindió el contrato tras la publicación en el 2002 de un grandes éxitos en formato CD y DVD. Desde entonces, Jarvis Cocker ha aprovechado para experimentar con un grupo de música electrónica llamado "Relaxed Muscle" y ha tenido participaciones en películas y documentales. "Pulp: A Film About Life, Death and Supermarkets", documental dirigido por el neozelandés Florian Habitch , retrocede hasta el 8 de diciembre de 2012 y traslada al espectador hasta Sheffield, la ciudad inglesa que vio nacer al conjunto y que fue elegida como el destino final de su gira de reunión, que había comenzado un año antes, tras casi una década de inactividad. Una decisión acertada que se traduce en la emoción de ver a Jarvis Cocker, Mark Webber, Steve Mackey, Nick Banks y Candida Doyle hablando sobre todo lo que ha pasado antes de ese día y sintiendo la nostalgia de volver a esas calles que inspiraron y vieron nacer canciones como “Disco 2000”. Los testimonios de los integrantes, sin dobles discursos ni actuaciones, se mezclan con el antes, durante y después de aquel show que marcó el fin de Pulp. Cómo se preparan los técnicos, los habitantes y los fanáticos (en resumen, la ciudad misma) antes de esta esperada presentación en su tierra natal, es el hilo conductor de este interesante y entretenido viaje. Si efectivamente ese concierto fue el último de Pulp, el registro que quedará para la posteridad será una postal precisa y sin adornos. Una oportunidad única de ver a cinco músicos en el mejor lugar posible: la ciudad que los vio nacer.

M-Link
Pulp: A Film About Life, Death and Supermarkets [2014]


.......................................................................................................................................

[Cómo descargar vía Torrent]

[Por qué Torrent]


Presentismo

> Por Biciman.©   

Es lo obvio en mí. Parar todo salvo respirar. Disolver el mundo con un apretón de párpados. Sus párpados. Debo tener un gen, o cromosoma o como sea, que si lo busco subjetivamente le encuentro su nombre científico parecido a su nombre. Un cannabinoides, un receptor preparado, un síntoma latente, un enchufe hembra cenicienta en el que sólo entra ella. ¿Edípico? Puede ser. La madre de todos los besos. El seno de la felicidad. El refriegue de los sentidos, el repliegue de la razón. Loco de amor. Muerto de amor. Porque tanta necesidad mata. Mata mis otras cosas. Corta mi electricidad con una bomba atómica. No hay resistencia, se me parte el caparazón. Y está mal, claro que está mal. Entregarse así. La dignidad, el cuerpo, el futuro, la ética de lo propio, la compresión de lo ajeno, de la energía transitoria. Rebelde el que no se entrega. Guerrero el que no abandona. Tal vez la estrategia sea que no haya estrategia. Que sea ensayo en vez de guerra. ¿Por qué hacer un Everest de un paseo por las nubes? Yo quiero ir y volver, de donde sea. Sólo de la muerte no se vuelve. De ella se vuelve. Se vuelve de lo obvio. Porque lo obvio se lleva como una deformidad inoperable, algo que ya estaba ahí antes de que ella apareciera. Y me descubriera. El agujero en la sien. Mínimo, invisible al resto de los ojos. Parar todo salvo sus ojos. Que me ven otro. Con ella soy otro. Un cuerpo extraño. Que gusta y asusta. Y la quiero y no me quiero. Porque no quiero dejar de ser lo que soy sin ella. ¿Cómo obviar lo obvio? Hacerlo parte sin ser parte. Partir el todo en muchos todos. Potenciar el antes y después, mientras estoy con ella. Tal vez deba estar más solo cuando estoy con ella. Estar solo y con ella. Pensar que ella no está ahí. Porque es obvio que está ahí. Porque ella es lo obvio. Tan obvio que ya ni lo pienso.

One More Time With Feeling [2016]



“Es el cambio entre un mundo conocido y un mundo desconocido que deviene una prisión. Y cuando sales fuera, ese mundo es el mismo pero cambiaste. Encuentras a un amigo en la calle que te dice algo amable y lloras en sus brazos. Y entonces te das cuenta de que en realidad no es tan amigo tuyo. Te descubres rodeado de ojos amables y te preguntas: ¿cuándo me he convertido en un objeto de lástima y compasión?”. Quien habla es Nick Cave. Quien lo filma, Andrew Dominik. La película: “One More Time with Feeling”, una obra testimonial que toma como eje los temas del último disco de estudio de Nick Cave & the Bad Seeds, “Skeleton Tree”, para meditar sobre el luto de Cave, que perdió a su hijo adolescente Arthur en julio de 2015 en trágicas circunstancias. Filmado en 3D y en blanco y negro, el documental es un ejercicio fílmico profundamente minimalista, que transcurre casi por completo en el estudio de grabación y en la casa familiar de Cave, donde el foco narrativo se desplaza con destreza de la mente de Cave a la de Susie Bick, quien en su papel de esposa y madre se alza como una conmovedora y bellísima Pietá. La densidad narrativa del documental, que lejos de mostrar a un Cave articulado y brillante, presenta a un hombre completamente roto que en más de una ocasión se ve superado por la imposibilidad de comunicar el dolor de la pérdida, se marida de forma inmejorable con la descripción del caótico proceso creativo que dio pie al Skeleton Tree, y con la representación en vivo de algunas de las canciones más significativas del disco. Al final lo que queda en pantalla es el bello y demoledor testimonio oral de Susie, de Cave, y de su inseparable compañero de batallas, el músico Warren Ellis. Sin embargo, el inconmensurable dolor del evento que ensombrece y da forma al film sólo es entendible mediante la música de Cave y sus Bad Seeds. El resultado es duro, frágil y crudo, un verdadero testamento de un artista tratando de encontrar su camino en la oscuridad.

M-Link
One More Time With Feeling [2016]


.......................................................................................................................................

[Cómo descargar vía Torrent]

[Por qué Torrent]