martes, 22 de marzo de 2016

Burroughs: The Movie [1983]



William S. Burroughs es, sin duda, una de las figuras más destacadas de la literatura estadounidense, un hombre que convirtió la singularidad de su persona en materia de su obra, esa llamarada oscilante entre la vanguardia y la irreverencia que caracterizan el estilo impreso en su literatura. En este sentido, es totalmente previsible y justificable que el escritor haya sido objeto de una exploración fílmica en torno a su biografía y su trabajo. "Burroughs: The Movie", realizado en 1983 por Howard Brookner, muerto por complicaciones derivadas del sida seis años más tarde, cuando sólo tenía 34, no sólo fue el primer largometraje sobre Burroughs, sino el único retrato filmado que contó con la colaboración y complicidad del escritor. El rodaje empezó en 1978 como un trabajo de fin de carrera de Brookner para la New York University Film School y concluyó cinco años más tarde. Es un documental entretenido y realista que echa por tierra muchos de los clichés sobre Burroughs que circulan por los mentideros del fanatismo. Además de largas entrevistas y reveladoras secuencias con el escritor, en el film aparecen algunos de sus amigos y colaboradores más cercanos, como Allen Ginsberg, John Giorno, James Grauerholz, Brion Gysin, Patti Smith, Terry Southern y Francis Bacon. También, y en una persona tan tímida como Burroughs resulta prueba suficiente de la confianza que depositaba en el cineasta, incluye las únicas declaraciones públicas del escritor sobre la muerte de su mujer, Joan Vollmer, a la que Burroughs pegó un tiro en la cabeza en 1959 mientras ambos estaban alcoholizados y drogados. El documental recoge declaraciones del hijo de la pareja, Bill Jr., que murió a los 33 años cuando estaba intentando desengancharse de la heroína con un tratamiento de metadona. "Burroughs: The Movie", en cuyo equipo de producción trabajaron figuras como Tom DiCillo (operador de cámara) y Jim Jarmusch (sonido), compañeros de clase y amigos del director, fue emitido por la BBC en el mítico programa Arena, el oasis de seriedad y frescura de las televisiones públicas europeas durante décadas. También se exhibió en algunas salas de cine de circuitos off. Aunque la carrera de Brookner fue en ascenso (dirigió el documental "Robert Wilson and the Civil Wars", en 1987, y la comedia "Noches de Brodway", en 1989, con Madonna y Matt Dillon en el reparto), la muerte prematura del cineasta y el desinterés de las distribuidoras condenaron a "Burroughs: The Movie" a las categorías de película inencontrable y tesoro perdido. Pero la situación cambió con la intervención de Aaron Brookner, sobrino del director y también autor de cine, que puso en marcha un proyecto de financiación en masa para restaurar y reeditar el documental. Y fue el prestigioso sello "The Criterion Collection" el que en el año 2015 finalmente relanzó esta gema fílmica, haciéndola accesible para todos aquellos interesados en explorar la intimidad del genio creador de obras de culto como "Junkie" y "Naked Lunch".

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https://kat.cr/burroughs-the-movie-1983-t12295900.html


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Tu duda eterna

> Por Biciman.©



Tu yugo la promesa, de lo que nunca será. Tu número, tu triturante número, tu brujo número brujo, el que no cierra ni podrá cerrar la queja del que está, del cuerpo de la masa que pisás, que se mueve bajo tus pies y querés segura, plana, barata, desaprendida, coloreada como si fuera arcoiris pero es barro, estrato de tu suciedad, donde lo único estable es la promesa de lo que nunca será. Somos tu mugre, y aún con tus quinientos lavaderos automáticos sobornando la memoria, la sospecha del gusano sobrevive, ara, refuerza, come y espera, el juicio y castigo de tu presencia. Es tu tiempo, enemigo, salí, mirá, liderá, enfrentá las caras sucias y mostrá las armas, enseñanos la templanza necesaria del escudo, del grueso del antebrazo para sostener la piedra, del filo de la vista para acertar, para embarrarte las manos con el contragolpe justo. Mi miedo es doblemente fuerte porque tengo mi miedo y tengo tu odio. Y lo desclavo de mi pecho y lo hago búmeran, ciclo y anticiclo, opresión y lucha eterna, eterna como tu duda, porque las balas se terminan, las piedras jamás.

Lou Reed Remembered [2013]



Lou Reed murió en octubre de 2013, a los 71 años, dejando un legado de casi 50 años de rock: a lo largo de su existencia, el neoyorkino marcó la historia de la música. Con Velvet Underground, en los 60, Reed tradujo una necesidad local con los elementos de la música avant-garde europea, uniendo la belleza y el ruido, y llevando la poesía de las letras del rock a otro nivel, más honesto. Desde los 70 hasta sus últimos años, en su incansable carrera solista, fue camaléonico y hasta impredecible, desafiando a sus fans con cada giro. Lewis Allan "Lou" Reed nació en Brooklyn en 1942. En su adolescencia, trabajó en el sello Pickwick Records y a mediados de los 60 se unió a John Cale formando a los Primitives, que luego se llamaron Warlocks. Después de conocer al guitarrista Sterling Morrison y la baterista Moe Tucker, se transformaron en Velvet Underground. Con su sonido oscuro y su look característico, llamaron la atención de Andy Warhol, que enseguida los adoptó como parte de sus Exploding Plastic Inevitable. Producidos por Warhol y topándose con una total indiferencia comercial en su lanzamiento, el debut de 1967, The Velvet Underground & Nico, se transformó luego en uno de los discos más grandes de la historia, al nivel de Sgt Peppers o Blonde On Blonde. Y a pesar de su corta carrera, la banda se transformó sin dudas en una de las mayores influencias del rock. En su etapa solista, con su disco Transformer producido por David Bowie, Reed traspasó la barrera del culto para convertirse en una verdadera estrella: "Walk On the Wild Side", "Satellite of Love", por ejemplo, estaban incluidas en el tracklist. El resto de los 70 los usó para desafiar las expectativas, experimentando con sus discos sucesivos. Una necesidad de provocar que no abandonó nunca: quedó demostrado con Lulu, la colaboración con Metallica de 2011. En los últimos años, su segunda mujer, la música y artista Laurie Anderson, se tornó una figura inseparable de su persona: tocaban juntos en Nueva York, colaboraban y también participaban de actos cívicos, manifestando su compromiso con el activismo ambiental y más. "Lou Reed Remembered" es un documental que la cadena británica BBC televisó en diciembre de 2013 para rendir tributo a Reed, al poco tiempo de su fallecimiento. El especial, de una hora de duración, nos acerca a la figura de Lou, abordando su forma de componer y su personalidad, a través de una serie de entrevistas que la BBC realizó a celebridades del perfil de Boy George, Thurston Moore (Sonic Youth), el productor Bob Ezrin, Lenny Kaye, el fotógrafo Mick Rock o el escritor Paul Auster, entre muchos otros. Un dossier para disfrutar y atesorar, porque aún hay mucho por descubrir de la vida del genio de la Velvet Underground.

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https://kat.cr/lou-reed-remembered-2013-t12253149.html


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La bici de Geraldine [2]


Envejecer no es temer al futuro, sino olvidar el pasado. 
[Geraldine Chaplin]

The Urban Love Collection Vol 11



>Tracklist

01- So Here We Are - Nightmares On Wax
02- Fade Into You - Mazzy Star
03- Warm My Soul - Blundetto [With Courtney John]
04- Stay - Zenzile
05- Channel 1 Suite - The Cinematic Orchestra
06- Beautiful Morning - Parov Stelar
07- Sweet Is The Air - Alice Russell [With Nature Boy]
08- And Relax! - The Cinematic Orchestra
09- Magic Number - Zenzile [With Winston Mcanuff]
10- Final Good Bye - Blundetto [With Tommy Guerrero]


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https://kat.cr/the-urban-love-collection-vol-11-t12240489.html


No se trata de hablar

> Por Roberto Juarroz.
 


No se trata de hablar,
ni tampoco de callar:
se trata de abrir algo
entre la palabra y el silencio.
Quizá cuando transcurra todo,
también la palabra y el silencio,
quede esa zona abierta
como una esperanza hacia atrás.
Y tal vez ese signo invertido
constituya un toque de atención
para este mutismo ilimitado
donde palpablemente nos hundimos.


La Drôlesse [1979]



"La Drôlesse", quinta película del director francés Jacques Doillon ("Ponette"), es un drama minimalista que involucra a dos jóvenes en un secuestro que parece inofensivo, pero que, desde un punto de vista adulto, aparece profundamente inquietante. Doillon es uno de esos raros cineastas que tiene una peculiar afinidad con los jóvenes marginados y perturbados, y también la capacidad de llevarnos a su mundo y hacernos ver las cosas desde su perspectiva, sin tener que recurrir a un sentimentalismo endulzado ni otros trucos baratos. "La Drôlesse" es una de las películas más simples de Doillon y sin embargo deja un hondo impacto, haciéndonos conscientes de la brecha insondable que existe entre la mente de un adulto, que ve el mal en todo, y la de un niño, para quien todo es un juego no contaminado por el cinismo y el prejuicio moral. Doillon es conocido por conseguir excelentes actuaciones de sus jóvenes actores, y en "La Drôlesse" está particularmente bien servido por Madeleine Desdevises, una encantadora niña de once años que colma la película de carisma y una sorprendente naturalidad. De no haber muerto casi tres años después, a sus quince, de leucemia, Desdevises hubiera disfrutado de una exitosa carrera en la actuación. La trama de "La Drôlesse" se puede resumir en una frase, que tiene que ver con el desarrollo de la relación entre dos personas marginadas y solitarias, un retrasado de veinte años de edad, François, y una niña de once años, Mado, que él secuestra y lleva al ático de su casa de campo, donde vive con sus indiferentes y conservadores padres. Desde el principio, Doillon nos obliga a simpatizar con estos dos individuos infelices que parecen igualmente faltos de afecto y sin embargo son tan manifiestamente capaces de darlo. Lejos de ser una relación "secuestrador-prisionero", lo que se desarrolla entre François y Mado es la casta imitación infantil de un matrimonio, y es más que evidente que la chica más joven, la más inteligente de los dos, es la que está al mando de la situación. Es quizás ese amor puro y desinteresado lo que los adultos nunca entenderán y terminarán castigando, confirmando una vez más que nuestra sociedad no está fundada en sus valores más profundos, sino en una ética superficial y corrupta que premia lo costumbrista y legalmente sagrado, y castiga lo diferente y genuinamente humano.

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https://kat.cr/la-drolesse-1979-t12253091.html


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La bici de Morrissey [2]


Nunca quise ser controvertido, pero es muy fácil ser
controvertido en la música pop, porque nadie lo es
. 
[Morrissey]

Listen To Me Marlon [2015]



"Deja que tu mente vaya hacia atrás, muy atrás en el tiempo. A la época en que eras joven y te levantabas muy temprano, cuando todos dormían, y caminabas por el borde del sendero, en Omaha, hasta sentarte debajo de un gran árbol. Ves cómo el árbol deja pasar la luz, la sombra sobre las hojas. Todo es como un sueño, mientras el suave viento te llama; puedes confiar en ese viento. Tú eres esas memorias". A Marlon Brando no le gustaba hablar de él, no le gustaba hablar de su vida. Fue una de las mayores estrellas que ha tenido el cine y probablemente una de las más secretas con su intimidad. Sin embargo, el documental "Listen To Me Marlon", estrenado en el Festival de Sundance de 2015, descubre que al actor sí le gustaba hablar de él, sí le gustaba hablar de su vida. Eso sí, sólo con él mismo. "Listen To Me Marlon" es la frase con la que empezaba sus grabaciones de autohipnosis que practicó durante los últimos años de su vida, recluido en su casa de Los Ángeles, luchando contra el dolor personal. Estas sesiones son sólo una parte de las más de 200 horas de grabaciones nunca escuchadas hasta ahora, a las que el director Stevan Riley tuvo acceso cuando le encargaron el documental desde la cadena Showtime. Además de las autohipnosis, Brando guardaba cintas de conversaciones privadas (tenía micrófonos escondidos en todas las habitaciones de su casa), grabaciones que hacía mientras preparaba sus personajes, sesiones de meditación y diarios de recuerdos y opiniones sobre compañeros de profesión ("Coppola es un idiota", dice en un momento). Todas ellas componen una ventana a su alma que él mismo había ido develando poco a poco en sus papeles. Hacia el final del documental, el actor dice: "Me colocarán un micrófono especial en mi ataúd, para que cuando me despierte ahí, a dos metros bajo tierra, pueda decir: "Hazlo diferente". Deseo casi cumplido. De una forma más magnética que macabra, Marlon Brando, fallecido hace casi diez años, habla desde el pasado y es el espectador el que acaba hipnotizado con su voz y el descubrimiento del hombre que vivió detrás del ícono.

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https://kat.cr/listen-to-me-marlon-2015-t12240536.html


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La ira

> Por Biciman.©
 




El silencio no vive / gen arcaico en su apogeo / subo y bajo las persianas / me persigo y me cacheo / se me piantan los faroles / ya no guio / ya no veo / ya no escucho / sólo siento / se me sale el espinazo / me atraviesa el argumento / el recato se desangra / el refunfuño supura / el arrebato se inflama / se cocina el estampido / el estruendo / el zambombazo / y reviento como un sapo / ácido / denso / abrasivo / las entrañas / el meollo / hasta el tuétano me embrollo / me cago en mis sanidades / en la flexión de la vida / la mierda traga saliva / escupe puntualidades / y ni la madre se salva / ni su hermana / ni su tía / todas merecen escarnio / el ultraje / el vilipendio / el pellejo denigrado / la culpa tiene salida / es la precisa / la ira / la que encuentra a los culpables / de que la culpa sea mía.

Michel Petrucciani [2011]



El pianista Michel Petrucciani fue un genio del jazz que a finales del siglo XX protagonizó una de las historias de superación más asombrosas que se recuerdan, no sólo en el plano musical sino personal. Petrucciani nació en Orange, Francia, en 1962, y murió en Nueva York en 1999, a los 36 años. Tenía una terrible enfermedad degenerativa, llamada osteogénesis imperfecta, de modo que sus huesos estaban malformados y tan débiles que se rompían con un pequeño golpe, y como consecuencia Petrucciani medía tan sólo un metro de altura y era incapaz de caminar. Sin embargo, hijo de un hombre enamorado del jazz, Michel escuchó desde pequeño muchos discos de grandes figuras, como Miles Davis, Django Reinhardt, Art Tatum y Bill Evans. A los cuatro años, cuando ya se sabía muchas melodías de memoria, su vida cambió al ver por televisión a Duke Ellington. Desde entonces quiso ser pianista. El director Michael Radford ofrece un estupendo documental centrado en un hombre verdaderamente único, un enanito de una fuerza y personalidad impresionantes. Aunque sólo fuera por méritos musicales, Petrucciani será recordado entre los más grandes pianistas de jazz, pero su minusvalía física lo ha engrandecido hasta convertirlo en una leyenda. La película ahonda en el genio musical de Petrucciani, su excepcional oído, su insuperable habilidad y rapidez al tocar las teclas, y su capacidad autodidacta. Pero también habla mucho de su carácter y su relación con multitud de amigos y personas a las que conoció. La extroversión era sin duda uno de los rasgos más llamativos de su carácter, junto a su falta de autocompasión y su insaciable necesidad de sacarle todo el jugo a cada minuto de la vida, algo que tuvo también mucho que ver con su prematura muerte. Porque Petrucciani quiso probarlo todo: las drogas, el alcohol y la vida desordenada, bohemia, insomne. A todo este material humano Radford adjunta muchos de los mejores momentos musicales de Petrucciani al piano, un instrumento que "le hablaba". Un documento repleto de piezas de conciertos míticos, de magia jazzística, del mejor swing, un tributo al arte y a la vida misma.

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https://kat.cr/michel-petrucciani-2011-t12240503.html


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La bici de Isabelle & Yves


La peor cobardía es saber qué es lo justo y no hacerlo. 
[Yves Montand, con Isabelle Adjani]

jueves, 31 de diciembre de 2015

David Bowie: Five Years [2013]



"Tienes que acomodar tus pasados dentro de tu persona, eso te ayuda a reflejar lo que eres ahora". [David Bowie]
 
Con imágenes nunca antes vistas, procedentes de su archivo personal y de esa videoteca universal que es la BBC británica, "David Bowie: Five Years" es el retrato definitivo de una de las estrellas de rock más influyentes de todos los tiempos. Bowie está considerado como uno de los intérpretes más atrevidos e innovadores del siglo XX, un artista que logró un enorme éxito, tanto de crítica como comercial, desde sus comienzos en la década de 1960 y que, desde entonces, se ha convertido en un referente de la cultura popular. Dotado de una vertiginosidad que hace justicia a la estela del camaleón del rock, el director Francis Whately desarbola los cinco años, los cinco puntos de giro en la historia de David Bowie: comienza con el año 1971 y la creación del andrógino Ziggy Stardust, el liricista marciano del declive y el exceso; continúa en 1975, el año del álbum "Young Americans" y de la aparición del personaje Thin White Duke, el dandy que desmontó con su blanca curiosidad la furia negra y prodigiosa del soul; sigue con 1977, año de su vampiresca estancia en Berlín, donde succionó los matices electrónicos del Krautrock y creó esos dos monstruos contemporáneos que son "Low" y "Heroes"; llega 1980, de la mano de "Ashes to Ashes", una de las canciones más icónicas de la década; y termina en 1983, el año de su gran lanzamiento a la estratosfera comercial con "Let's Dance". Brian Eno, Robert Fripp, Carlos Alomar, Luther Vandross, Rick Wakeman, Tony Visconti, Camille Paglia y Nile Rodgers son sólo algunos de los nombres que cuentan y confirman la leyenda. Encandilantes imágenes inéditas y testimonios reveladores sobre el proceso de realización de las obras discográficas, advierten a tiempo completo que este documento sólo busca perpetuar al mito.

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http://kickasstorrentsam.com/david-bowie-five-years-2013-t11835490.html


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El desmentido

> Por Biciman.© 
 
Vos no sos clara explicando y yo no soy claro entendiendo. Me das un no y lo hago ni, me das un sí y lo hago todo. Esa anarquía semántica tiene de contexto el pretexto de que algo pasa, de que algo vuela bajo la tierra. Este amor es una papa con ganas de ser higuera. Pero del yuyo al árbol hay una historia. Y los tallos y las ramas y los gusanos y los frutos de la discordia. Y la deflación del calendario y los inviernos que matan todo. Y acá me ando de nuevo regando el tubérculo alado con el capricho de la pasión proletaria, con la inercia bruta de la constancia, tratando de intuirme tus rasos y tus fondos, que son multitudes y nunca todos. La fórmula no es la verdad sino la mezcla de las fallas. Cada dos por cuatro la pifio y me redoblo y me hago un ocho, ese desvelo infinito por tus pulsos estacionales, por tus raíces que van cambiando como va cambiando tu tierra. Pero ya no tengo abono para tanto campo, me quedé sin argumento y lo peor son las langostas o los topos en tu caso, los parásitos desiertos, de ciertos no sé, qué sé yo, ya veremos, nos hablamos, esos pozos reservados, tapados y peligrosos, cuando me voy de cabeza como conejo sin casco. Capaz no era flor la semilla era pasto para los codos, para rozarnos el aura y besarnos en lo que somos, dos maderas diferentes cortadas del mismo palo. Y en este trato mi socia la letra chica me mata, la política de los cuerpos que se cruzan y no se danzan, como dos hojas amontonadas sin más excusa que el viento. Si es el viento, el meridiano, Júpiter o el ozono, ya no distingo el llano acá todo es muy neblinoso. Entonces no queda otra que cultivar en la nube, que las verdades florezcan en un menjunje de cambios, y que broten los no sé, los qué sé yo y demás cosos. Y si la duda es la siembra yo dudo todos tus campos, porque me sobran los soles y las lluvias y los embrollos. Vos no sos clara explicando y yo no soy claro entendiendo. Por eso me caigo y me levanto y me miento y me desmiento. Y te desmiento tu no y me desmiento mi sí y me acuesto en el tiempo y me hago un ocho.

Kraftwerk: Pop Art [2015]



Kraftwerk ("central energética" en alemán) es una banda alemana de música electrónica formada por Ralf Hütter y Florian Schneider en 1970 en Düsseldorf, y liderada por ellos hasta la partida de Schneider en 2008. El característico sonido de Kraftwerk combina ritmos repetitivos con melodías pegadizas, principalmente siguiendo un estilo clásico occidental de la armonía, con una instrumentación minimalista y estrictamente electrónica. Las letras simplificadas del grupo son a veces cantadas a través de un vocoder o generadas por un sintetizador. Kraftwerk fue uno de los primeros grupos en popularizar la música electrónica y son considerados pioneros en el área. En la década de 1970 y principios de los años 80, el sonido distintivo de Kraftwerk fue revolucionario, y ha tenido un efecto duradero a través de muchos géneros de la música moderna. Según The Observer, "ninguna otra banda desde The Beatles ha dado tanto a la cultura pop", y una amplia gama de artistas han sido influenciados por su música e imagen. En febrero de 2013, Kraftwerk se instaló en el Tate Modern, el Museo de Arte Moderno de Londres, para realizar una seguidilla de ocho shows en vivo recorriendo gran parte de su historia musical. Coproducido por el Canal Arte alemán y la BBC británica, "Kraftwerk: Pop Art" es un dossier exclusivo que resume esas presentaciones y nos sumerge en el fantástico mundo de estos precursores de la electrónica, a través de entrevistas e inéditas imágenes de archivo.

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https://kat.cr/kraftwerk-pop-art-2015-t11771090.html


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La bici de Sharon


Sólo el tiempo trae consuelo. 
[Roman Polanski, sobre Sharon Tate] 
 

The Trip Hop Sessions Vol 12



>Tracklist

01- Dancing Chords And Fireflies - Degiheugi
02- Santa Mia - Dub In Gamma
03- A Little More Light - Seoan & Friends [Feat. Ahy'o]
04- Overcome - Tricky
05- Urban Sounds - Solimano
06- Until The Morning - Thievery Corporation
07- Through Endless Ice Waters - Lauge & Baba Gnohm [Feat.Vonoom]
08- Down - Anomie Belle
09- Midnight In A Perfect World - DJ Shadow
10- While My Guitar Gently Weeps - Black Chamber


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https://kat.cr/the-trip-hop-sessions-vol-12-t11759062.html


Manifiesto futurista de la lujuria

> Por Valentine de Saint-Point.


Es preciso ser conscientes ante la lujuria. Es preciso hacer de la lujuria lo que un ser inteligente y refinado hace de sí mismo y de su propia vida. Es preciso hacer de la lujuria una obra de arte. Fingir inconsciencia o desfallecimiento para explicar un gesto de amor es hipocresía, debilidad o estupidez. Es preciso desear conscientemente una carne, como se desea cualquier otra cosa. En lugar de darse y tomarse (por flechazo, delirio o inconsciencia) como seres multiplicados por las inevitables desilusiones del imprevisible mañana, es necesario escoger sobriamente. Es necesario, guiados por la intuición y la voluntad, valorar las sensibilidades y las sensualidades, emparejando y culminando sólo aquellas que pueden completarse y exaltarse. Con la misma consciencia y la misma voluntad directora, es necesario llevar el gozo de este emparejamiento a su paroxismo, desarrollar todas sus posibilidades y hacer florecer plenamente el germen de las carnes unidas. Es necesario transformar la lujuria en una obra de arte, hecha, como toda obra de arte, de instinto y de consciencia. La lujuria es para el cuerpo lo que el ideal es para el espíritu: la magnífica quimera, eternamente abrazada y nunca capturada, la que los seres jóvenes y ávidos, de ella embriagados, persiguen sin tregua. La lujuria es una fuerza.

The War Zone [1999]



El novelista y guionista Alexander Stuart escribió su obra más controvertida en 1989 bajo el título "The War Zone", la historia de un incesto que se produce en el seno de una familia que se ha trasladado de Londres a una casa de Devon, en plena costa inglesa. Pero fue Tim Roth, actor inglés fetiche en las principales obras de Quentin Tarantino (Reservoir Dogs, Pulp Fiction) quien adaptó la novela a la gran pantalla en 1999, lo que constituyó su ópera prima como director bajo el título homónimo "The War Zone", película que cosechó polémica, muy buenas críticas y diversos galardones cinematográficos, como la Espiga de Plata en el Festival de Valladolid o el premio al descubrimiento del año de la Academia de Cine Europeo. La polémica ya había surgido cuando la novela consiguió el prestigioso premio Whitbread, que le fue retirado poco antes de la ceremonia de entrega por las presiones de uno de los miembros del jurado que se sintió ofendido por su contenido. A Roth eso no lo amedentró, y decidió filmar la historia reflejando con inteligencia y naturalidad el crudo y mórbido relato de la novela. Los siempre impecables Ray Winstone y Tilda Swinton son padre y madre de Tom y su hermana Jessie, dos adolescentes londinenses que tratan de adaptarse al nuevo y desolado hogar en la costa británica. Allí pasarán sus próximos y decisivos días, entre rocas, acantilados, días grises, lluvia, deseos púberes, intimidades familiares y un secreto terrible, revelado en plena "zona de guerra", un búnker abandonado de la segunda guerra mundial. Hasta allí llega la curiosidad del quinceañero Tom y la cámara de Roth, para mostrar sin moralismos hollywoodenses la esencia de la inquietante historia. Una historia conocida y desconocida, de esas que se guardan en el silencio...

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https://kat.cr/the-war-zone-1999-t11771068.html


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La bici de Michael


Un actor es un terco conquistador de su propio cuerpo. 
[Michael York] 
 

Bombay Beach [2011]



En el paisaje artificial de Salton Sea, un mar creado por el hombre y situado en el desierto de Colorado al sur de California, Estados Unidos, se encuentra Bombay Beach: un lugar que alguna vez fue considerado un oasis para quienes intentaban alcanzar "el sueño americano" en la época posterior a la Guerra Fría. Hoy en día, las ruinas enterradas en la arena son testigo de la precaria existencia de los pocos habitantes que quedan del centro vacacional, ahora una de las zonas más pobres del sur californiano. El documental de la cineasta israelí Alma Har’el, ganador en el Tribeca Film Festival de 2011, sigue a tres personajes: Red, un viejo excéntrico que comparte su peculiar punto de vista mientras sobrevive con whisky y cigarros de contrabando; CeeJay Thompson, un adolescente que dejó atrás la vida de pandillero cuando su primo fue asesinado en Los Ángeles, y que ahora aspira a ser jugador de la NFL y el primero de su familia en asistir a la universidad; y Ben Parish, un niño diagnosticado maníaco-depresivo que vive bajo la influencia de una cantidad espeluznante de fármacos en una familia aparentemente disfuncional, pero cariñosa. La ópera prima de Alma Har’el es un retrato idiosincrásico y profundamente conmovedor de tres individuos que intentan hacer sus vidas a partir de lo que quedó de un mal sueño capitalista. Con el estéril paisaje como telón de fondo, los personajes de Har’el participan en coreografías acompañadas de la música de Bob Dylan y Beirut, que personifican la interpretación de la directora de sus sueños y deseos. Estas etéreas y exquisitas secuencias hacen de "Bombay Beach" un experimento particular y cautivador dentro del terreno de la no-ficción, que transgrede de manera triunfal hacia una nueva forma de interpretar la realidad, que yace en algún lugar entre el cinema verité y el realismo mágico.

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https://kat.cr/bombay-beach-2011-t11759020.html


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Todo pasa

> Por Biciman.©




La lentitud de las cosas buenas, su ahora no, su ninguneo, su desgracia. El feedback en off del deseo, la hipotensión del anhelo, el desvibramiento del ansia, el apagón de los chakras. La rebaja dominical del júbilo vital y móvil, el desplome de la ventura, el desbarajuste somático de la bonanza. El fervor en coma inducido por una desazón que no es mía, que no estaba acá, que alguien trajo y dejó, como se dejan las cosas que se niegan. Sólo curtiendo el talante se abreva la utopía, se destuerce la entereza, se dinamita el recelo, hasta quedar sólo tiempo, diezmado, imparcial, estéril y exculpado. Ya no más lento, porque ahora está cronometrado, y se termina dentro de tres ahora no, dos ninguneos, y ninguna desgracia.

A Night in Havana: Dizzy Gillespie in Cuba [1988]



John Birks Gillespie (Cheraw, Carolina del Sur, Estados Unidos, 21 de octubre de 1917 - Englewood, Nueva Jersey, 6 de enero de 1993), más conocido como Dizzy Gillespie, fue un trompetista, cantante y compositor estadounidense de jazz. Gillespie, con Charlie Parker, fue una de las figuras más relevantes en el desarrollo del bebop y del jazz moderno. Fue durante toda su vida un incansable experimentador de la música afroamericana, lo que lo llevó a probar con el jazz afrocubano, colaborando con percusionistas como Chano Pozo, y otros géneros como el calipso, la bossa nova, o a colaborar con músicos externos al mundo del jazz, como Stevie Wonder. En sus primeros años como instrumentista trabajó con las grandes bandas de Cab Calloway y Earl Fatha Hines, mientras que en 1945 colaboró con el saxofonista Charlie Parker, con quien grabó algunos de los más revolucionarios temas de la historia del jazz. El documental "A Night in Havana: Dizzy Gillespie in Cuba" retrata el viaje del genial trompetista a la isla caribeña para participar del festival de jazz de La Habana en 1985. Por primera vez, y luego de cuarenta años de haber introducido la música afrocubana en el repertorio musical norteamericano, Gillespie pudo reunirse con aquellos que lo inspiraron. Las calles de La Habana, el carnaval, el folklore milenario, Fidel Castro, el mejor jazz del mundo, y para contarlo todo: Dizzy Gillespie, protagonista de lujo de este pedazo de historia musical de nuestro mundo.

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La bici de Claudia [2]


Trata a los hombres como a tu público: siempre déjalos queriendo más. 
[Claudia Cardinale] 
 

viernes, 19 de junio de 2015

B.B. King: The Life of Riley [2012]



"La gente me llama el rey del blues, pero yo no pienso eso. Creo que muchas personas pueden hacer lo mismo que yo, y muchas pueden hacerlo mejor, pero no son B.B. King". [B.B. King]
 
Riley B. King o Riley Ben King (Itta Bena, Misisipi, 16 de septiembre de 1925 - Las Vegas, Nevada, 14 de mayo de 2015), más conocido como B.B. King, fue un músico, cantante y compositor estadounidense. Es ampliamente considerado uno de los músicos de blues más influyentes de todos los tiempos, ganando el apodo de "el Rey del Blues" y el renombre de "uno de los tres reyes (kings) de la guitarra blues" junto a Albert King y Freddie King. Según Edward M. Komara, King "introdujo un sofisticado estilo de solos basados en fluidas cuerdas (de guitarra) dobladas y brillantes vibratos que influirían prácticamente a todos los guitarristas de blues eléctrico que le siguieron". La revista Rolling Stone lo situó en el puesto seis de la lista de los 100 mejores guitarristas de todos los tiempos y figura en el puesto 17 de la lista "Top 50 Guitarists of All Time" elaborada por Gibson. King fue introducido en el Salón de la Fama del Rock and Roll en 1987. Con los años, King desarrolló un estilo de guitarra identificable de su obra musical, con elementos prestados de Blind Lemon Jefferson, T-Bone Walker y otros y la fusión de géneros musicales como el blues, el jazz, el swing y el pop. Su guitarra eléctrica Gibson ES-335, apodada "Lucille", también da nombre a una línea de guitarras creada por la compañía en 1980. King es también reconocido por su prolífica cuenta de presentaciones en vivo, con un promedio de 250 o 300 conciertos anuales durante la década de 1970. En el año 2012, el documentalista Jon Brewer se unió a la BBC británica para producir un dossier que revela la verdadera historia del músico, desde sus humildes comienzos trabajando en las plantaciones de algodón sureñas, pasando por sus primeras actuaciones en vivo y su evolución musical hasta convertirse en una leyenda del blues. Narrado por Morgan Freeman, "B.B. King: The Life of Riley" incluye apariciones y contribuciones de Aaron Neville, Bill Cosby, Bill Wyman, Bono, Mick Jagger, Bonnie Raitt, Bruce Willis, Buddy Guy, Carlos Santana, Dr. John, Eric Clapton, George Benson, Joe Bonamassa, Johnny Winter, Mick Taylor, Ringo Starr y Ronnie Wood, entre muchos otros.

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https://kat.cr/b-b-king-the-life-of-riley-2012-t10800691.html


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El destino del guerrero

> Por Biciman.©

La llevamos bastante bien, ¿no? Ya no la cago tanto. Ya no las miro tanto. No me les enamoro así nomás. ¿Y ese era el embudo del dilema? Era uno más. Tengo una lista. Pero me la quepo en el bolsillo. No quiero agitar las urnas. Si vamos a votar por algo, decidamos qué decir. Siempre hay que decir algo. Que estuvimos en la guerra. ¿Qué guerra? La de tu hermana la perra, ¿lo qué te importa? Loco ando más loco que nunca. Más muerto. Pero la peleo más. Si ya tengo donde caer muerto, ¿lo qué me importa lo demás? La luz de Sueiro está al final de un solo camino. El de la paz si vas silbando, el de la guerra si lo tranqueás. Pero ya no la cagamos tanto. Ya no tanto demonio mío. Ahora la llevamos en carretilla. Hay que musculizar la espalda, el eje de todos los sentidos. Hay que ladear el tiempo para medirle la vuelta. Hay que callarse las roscas para mirar. Siempre hay un detalle que ilumina. Y esa es luz nueva. Es luz que veo, in the spectacular now. La otra está siempre prendida. Prendida de las piernas, de los hombros, de la nuca. Por eso hay que ejercitar, para bancarse el peso sin perder la gula. Quiero la última luz de frente, con los brazos fuertes para abrazarla como una almohada y apagarla yo mismo. Es el destino del guerrero, caer parado y ganar la siesta, después de los pasos perdidos. Y vamos juntos mi leviatán. En medio de la trifulca lo digo. Brindando lo digo. Esa es mi forma. Desato vertebras con disciplina, me choco espejos con bastante soltura, y brindo con todos mis miedos por los cien infiernos que vamos a visitar, antes que el diablo sepa que estamos muertos.

Once Upon a Time in New York [2007]



Nueva York a comienzos de los años setenta era una ciudad sitiada por la corrupción, la falta de oportunidades y la delincuencia. Y culturalmente, mientras el oeste californiano florecía de la mano del "flower power", los neoyorquinos estaban huérfanos de una escena musical propia. Pero si algo enseña la historia, es que de toda crisis nace algo nuevo, algo que ilumina un camino tan innovador como necesario. Y a diferencia de sus primos hippies, los jóvenes de la gran manzana no la veían tan fácil. Lo que se veía y se vivía en las calles no era justamente paz y amor. Eran tiempos de cambios, de revoluciones callejeras, de enfrentamiento con la mayoría moralista de la ciudad. Y siempre es el arte el que pega primero, el que utiliza sus canales clandestinos para reflejar el descontento popular. Desde el corazón de Manhattan y extendiéndose hasta lugares rebeldes como el Bronx, comenzaron a surgir nuevos gurúes y nuevas experiencias, que con el tiempo se volvieron tendencias, hasta convertirse en géneros musicales que trascendieron aquellos tiempos y aquella ciudad. Por primera vez Nueva York tenía su propia escena. Nueva York era disco, era hip-hop, y era punk. La decadencia se había convertido en vanguardia, desarrollada por nombres propios que no dejarían de sonar hasta nuestros días: Andy Warhol, The Velvet Underground, Blondie, The Ramones, The New York Dolls, Talking Heads, Patti Smith, Television, Chic, Cool Herc, Afrika Bambataa, por nombrar sólo algunos. Ya fuera en las calles, en los parques, o en lugares bohemios como el CBGB, o exclusivos como Studio 54, los nuevos sonidos arrasaban la ciudad y la volvían a poner en el centro de atención del arte mundial. Esta época dorada de la música neoyorquina es lo que la BBC británica retrata en "Once Upon a Time in New York", un documento obligatorio para todos aquellos interesados en conocer las raíces históricas, políticas y culturales de la música que hoy suena en las radios y los ipods en cualquier rincón del mundo.

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https://kat.cr/once-upon-a-time-in-new-york-2007-t10814644.html


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La bici de Leo

 
Las compañías contaminantes no merecen parte 
de nuestros impuestos, merecen nuestro control. 
[Leonardo DiCaprio] 


Música para la bici 18 - Electric Blue Ride



>Tracklist

01- 21'12 Beat - Blue Bits
02- The World of Sex - The Jon Spencer Blues Explosion
03- Pull A U - The Kills
04- The Prowl - Dan Auerbach
05- Do I Wanna Know? - Arctic Monkeys
06- Rocking Horse - The Dead Weather
07- Balls and Biscuits - The White Stripes
08- Blue Veins - The Raconteurs
09- God Will Cut You Down - Robin Loxley & Jay Hawke
10- Martha's Dream - Nick Cave & Warren Ellis


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https://kat.cr/musica-para-la-bici-18-electric-blue-ride-t10795591.html


Nos une

> Por Mario Morales.
Nos une,
el silencio que no hemos dicho,
los días infinitos, la lluvia, la tristeza,
la ternura y sus ojos ciegos, pero azules.
Nos une,
algo oscuro como delirio y cenizas,
como la palabra adiós cuando la soledad calla, pero vence.
¿Sabés lo que es la vida cuando se ama pero estamos solos?
Es no poder decirlo y ser una herida sin respuesta.
Es abrir los brazos y encontrar la ausencia
y escribir nada más que un eco,
una campana de oro sepultada en la bruma.
Es gritar la palabra recuerdo
en la mitad de un beso, en la mitad de un verso,
tan violento y tan inútil como todo el recuerdo.
Es amarnos con el corazón vacío, como un pájaro cuando nace.
Pero amarnos hasta el fin,
en la soledad,
en el día interminable,
aniquilado.


The Cook, The Thief, His Wife & Her Lover [1989]



Por su formación académica (estudió arte y pintura en el Walthamstow College of Art), el cine del director británico Peter Greenaway posee una visión vanguardista, que busca ser innovadora y alejarse de las formas narrativas tradicionales. Esto le ha acarreado tanto simpatías como aversiones. Y su obra, sobretodo la que ha realizado en años recientes, no es fácil de acceder (o de comprender a cabalidad) por su elevado contenido y referentes intelectuales, por lo que de alguna forma, el suyo es un cine para públicos restringidos, muy particulares. Ello le ha costado que sus películas hayan sido calificadas como "elitistas", "pretenciosas", "snobs", entre otros. Sin embargo, durante la década de los ochenta, el cine de Greenaway gozó de una gran proyección y éxito a nivel mundial. Quizá fuera por lo (en ese entonces) novedoso de su propuesta o quizá influyeran otros factores, lo cierto es que de ese período datan las cintas más recordadas del realizador: "The Draughtsman's Contract" (1982), "A Zed & Two Noughts" (1985), "The Belly of an Architect" (1987) y el film con el que cerró la década: "The Cook, The Thief, His Wife & Her Lover" (1989). Sobre una anécdota en apariencia sencilla (los amoríos secretos entre la esposa de un criminal y un caballero culto, solapados por el cocinero que es a la vez empleado del mafioso) se construye un relato de alcances cuasi-operísticos y que es a la vez un ejercicio de barroquismo e impresionante despliegue formal. La riqueza plástica de "The Cook, The Thief, His Wife & Her Lover" es simplemente exuberante. El realizador (haciendo equipo con su colaborador de muchos años, el ya fallecido fotógrafo francés Sacha Vierny, y con el enfant terrible de la moda Jean-Paul Gaultier) arma paletas en colores cromáticos, de forma que en cada elemento del escenario predomina un solo color: azul para la entrada del restaurante, rojo para el interior del mismo, verde para la cocina y blanco para los sanitarios. Cada escenario es presentado por medio de espectaculares travellings laterales, situados desde el punto de vista del espectador, y cuyo suave movimiento da la sensación de estar viendo un enorme fresco colgado en una pared, y recorrerlo como si se caminara a lo largo de él. El concepto de orden también es visible en sus personajes de forma cardinal, dan sentido al film representando diferentes aspectos de la naturaleza humana: la creatividad y sensibilidad artística (el cocinero), la brutalidad y la maldad (el ladrón), el deseo y la sexualidad (su esposa) y la bondad y el amor (el amante). Personajes (y conceptos) que se oponen, se confrontan y se aniquilan mutuamente, pero que también se complementan, se buscan, se aman y coexisten entre sí: la brutalidad junto a la creatividad, lo vulgar junto a lo refinado, el sexo junto a la muerte, y lo excelso junto a lo grosero. Todo combinado en un impresionante lienzo que avanza a través de suculentos banquetes, brutalidades y vulgaridades varias, momentos escatológicos, alardes de poder, amor y sexo desbordado, y violencia y crueldad sin freno, acompañados por las impecables composiciones musicales de Michael Nyman. Al final, todo confluye en una climática venganza, sublime y bella pero a la vez grotesca y estremecedora, en uno de los finales más recordados en la historia de la cinematografía mundial.

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La bici de Drew [2]

 
El sexo es un juego de manos, 
gana el que encuentra el punto exacto del amor. 
[Drew Barrymore] 


The Woodmans [2010]



"Soy exigente, y mi vida en este momento es como el sedimento de un viejo café. Y preferiría morir joven dejando algunos logros, algún trabajo, mi amistad contigo y algún otro artefacto intacto, en vez de borrar sin orden ni concierto todas estas cosas delicadas". [Francesca Woodman]
 
A pesar de que su obra no fue valorada y apreciada hasta después de su trágico suicidio en 1981, cuando contaba con sólo 22 años de edad, Francesca Woodman provenía de una familia de artistas. Su padre, George Woodman, pintor y fotógrafo; y su madre, Betty, ceramista y escultora. Estadounidense de nacimiento pero criada y formada entre Nueva York y la Toscana italiana, la fotógrafa dejó más de 800 fotografías, mayormente autorretratos, en las que mostraba un ego tortuoso y obsesivo, derruidos escenarios teatrales de esencia surrealista y una gran y poderosa fuerza erótica. En ellas se observa una búsqueda compulsiva de la propia identidad y un reflejo de la sociedad limitadora que Francesca explora con las diferentes partes de su cuerpo, extrapolando al exterior todos los fantasmas que habitaban en su mente. "The Woodmans", documental ganador en el Tribeca Film Festival de Nueva York del 2010, es también un retrato desgarrador de unos padres que tienen que hacer frente al dolor de la pérdida de su hija, tratando de buscar ese consuelo a través del conocimiento de la obra de Francesca al mundo. Sus diarios, sus cuadernos y videos, sacados aquí a la superficie, delatan una ambición innegable de una artista que, a pesar de su corta vida, ya ha conseguido ser una de las grandes referentes en la historia de la fotografía y el arte contemporáneo.

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https://kat.cr/the-woodmans-2010-t10795505.html


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Sin consentidos

> Por Biciman.©



No la veas. Hoy no la veas. Ni su frenillo entregado, ni su pómulo guerrero, ni muriendo intimada detrás de tus orejas. Inventá un cosmos donde lo hay, donde siempre hubo un agujero hasta que alguien lo tapó. No la escuches. Abrí las ventanas, el viento no nombra nada, es sólo aire que se mueve entre el mundo y vos. Y sigue, el aire sigue mojando y el sol sigue quemando porque jamás explotó. No la huelas, no te huelas. Si tu sexo tiene su olor es porque el amor no se lavó. El perfume se irá, todo químico pierde su esencia cuando cambia de condición. No la toques, no hagas de tu cama una montaña. Las sábanas no son fantasmas, debajo hay más sábanas y debajo el colchón. Y debajo el piso y debajo el cajón. O un sótano lleno de vinos para añejar el cajón. No le hables, por favor hoy no le hables. Tu vida está cansada de tus palabras que le hablan tan existencialmente a una vida que nunca existió.

Keep On Keepin' On [2014]

 

Filmada en el transcurso de cuatro años por el novel cineasta Al Hicks, "Keep On Keepin' On" relata la extraordinaria historia de la leyenda del jazz Clark Terry. Un monumento vivo de la época de oro del jazz, Terry, de 93 años de edad y mentor de Miles Davis, es uno de los pocos artistas que tocó en las dos grandes bandas de aquella era, las de Count Basie y Duke Ellington. En la década de 1960, rompió la barrera del color al ser el primer músico afroamericano en ser parte del staff de "The Tonight Show" de la NBC. Hoy en día, luego de una vida dedicada a trabajar y enseñar a las figuras más totémicas de la historia del jazz, Terry sigue atrayendo y cultivando futuros talentos. "Keep On Keepin' On" retrata su amistad con el joven virtuoso Justin Kauflin, un prodigio del piano de 23 años de edad, ciego, que sufre de pánico escénico. No mucho tiempo después de que Kauflin es invitado a competir en un concurso de jazz de élite, la salud de Terry empeora. A medida que el reloj avanza, vemos a los dos amigos enfrentarse a los retos más difíciles de sus vidas. El trabajo de Kauflin en la banda sonora de la película junto al compositor Dave Grusin, establece el tono perfecto para un relato que se extiende por décadas y por toda la historia del jazz moderno, complementado con anécdotas reveladoras de Quincy Jones y Herbie Hancock. "Keep On Keepin' On" es un documento conmovedor realizado con sensibilidad por Hicks, otro ex estudiante de Terry, como homenaje a un gran maestro, uno de esos que inspiran y cambian vidas.

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https://www.limetorrents.cc/Keep On Keepin' On [2014].html


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La bici de Robert [2]

 
Escucha, sonríe, asiente... Y luego haz la misma 
jodida cosa que ibas a hacer de todos modos. 
[Robert Downey Jr.] 


martes, 30 de diciembre de 2014

20,000 Days on Earth [2014]

 

Nick Cave, cantautor y escritor australiano nacido en 1957, es uno de los personajes más enigmáticos y pintorescos del mundo musical de habla inglesa. Su universo se construye en base a violentas yuxtaposiciones: la más honda dulzura y la más cruda violencia, los más sutiles y variados intertextos con las más vulgares insinuaciones. Un universo que se hace canción a través de su lírica barroca y la densa y expresiva instrumentación que consigue en sus diferentes bandas, siendo The Bad Seeds la más reconocida. Actualmente muy vinculado al mundo del cine de ficción por su trabajo como compositor de música incidental (junto a su compañero Warren Ellis), guionista (es el autor de "The Proposition" y "Lawless", ambas de John Hillcoat) y ocasional actor, es el personaje perfecto para dedicarle un documental. "20,000 Days on Earth" es el primer largometraje que lo tiene como protagonista. Y no hace falta buscarle un personaje, porque Cave es uno en sí mismo. Esto es lo que los directores Ian Forsyth y Jane Pollard buscan y consiguen a lo largo del film: el retrato de un artista efervescente, de un hombre inquieto y apasionado que a poco de cumplir seis décadas de vida se halla en plenitud creativa. El relato de una búsqueda constante por llegar hasta el cielo y apartarlo, empujarlo para ver qué hay detrás: “Push The Sky Away", tal el nombre de su último disco de estudio, el decimoquinto registrado junto a The Bad Seeds. Disco cuya grabación, ensayos e interpretación en vivo registra el rockumental de manera íntima, cálida, sumamente detallista a lo largo de un día imposible, el número 20.000 del músico sobre nuestro planeta. Una hora y media parece poco para poder abarcar los secretos de un artista tan apasionante, creativo e impredecible. Y lo es. Pero es parte del misterio, de ese personaje enigmático que Nick Cave construye y que halla su máxima expresión en las interpretaciones en vivo que las cámaras de Forsyth y Pollard nos regalan. Todo lo que tenemos que saber de Cave está sobre el escenario: cinco minutos de canción en los que se condensa la mirada de un hombre, cinco minutos en los cuales se deja llevar y trepa bien alto, hasta empujar el cielo.

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[Sólo por MP]


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Omnivos

> Por Biciman.©

Me despierto y te veo, en el sueño donde te vi. Me lavo tus dientes de piano sin teclas negras, aunque dudo porque yo tengo un par de oscuridades en el marfil. Te inspiro en el aire, te amochilo y pedaleo, hay un sol que ciega pero veo el norte con tus ojos de sur y todo se despeja. Se despelleja tu nariz de boxeadora, me pongo del color de tu vergüenza o de tu ira que no conocí, pero debe ser parecida a mi vergüenza cuando te adentro. Te llego a destino, que es parecido al sueño donde te vi. Que es el mismo lugar de donde partí, porque tu recuerdo es un cilindro y yo el ratón que te circula buscando ese lado donde siempre me encuentro. Me canso y me siento sobre tus nalgas de oso Ted. Me regodeo en ellas y quiero alabarlas con tus manos y resbalar un dedo pero el túnel duerme y respeto las señales. Te expiro en el aire, ahora todo huele como tu aliento. Te fumo y me mareo y te aboco y me noqueo. Y te sueño de nuevo, pero ahora tengo hambre y me hago un plato al mentón de tu carretilla que no para de traer tus órganos mis vitales que devoro a la velocidad de tu sur, que calculo y persigo hasta el agobio porque me comí tus pulmones y respiro con tu último aliento. Ya estás toda adentro y va a doler sacarte pero tenés que salir. No puedo con un corazón y menos con dos. Y me despierto y te veo, en el sueño que te comí. Y me estiro cual queso y me rugen tus huesos y me martilla el pecho tu revolución. Clamo tu calma y mi sereno y te saco a pasear por mi cordura, y como si fueras a responderme taquicardicamente te pregunto, ¿sabés qué horas son, mi corazón? (Son horas de comerte de nuevo, pero no en sueños).

Badlands [1973]



"Badlands", la ópera prima del genial director estadounidense Terrence Malick, contiene las claves y características que definirían buena parte de su corta pero imprescindible obra. Fuerza visual, fotografía preciosista, imágenes que son pura poesía. "Badlands" está llena de ellas: el incendio de la casa, la visita a la mansión de un hombre rico, el joven con el rifle a la espalda mirando perplejo el espectáculo de la llanura bajo la luna. Una rústica visión de Estados Unidos cercana a la de pintores realistas como Hopper y Wyeth, con sus casas de listones blancos de madera y llanuras desoladas bajo cielos infinitos e implacables. Malick envuelve en un tono poético un duro relato basado en hechos reales (unos jóvenes que cometen un asesinato y huyen), ayudado por unas interpretaciones excepcionales tanto de Martin Sheen como de Sissy Spacek, convertidos en personajes que pueden cometer crímenes y actos brutales, de los que no se les culpa ni se buscan sus motivaciones. Porque detrás de un asesinato puede no existir ninguna razón para cometerlo, y eso lo hace más inquietante y terrible. A Malick sólo le interesa la mera exposición de los hechos, y ahí reside precisamente el tremendo magnetismo de su obra. No hay que intentar comprender sus películas exclusivamente por la vía de la razón, debemos dejar que nos entren por los sentidos y la sensibilidad. Si lo conseguimos, la experiencia puede ser única.

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https://kickass.to/badlands-1973-t10017927.html

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La bici de Brad

 
Tenemos empleos que odiamos 
para comprar mierda que no necesitamos. 
[Brad Pitt en "Fight Club"] 


The Blue Note Collection Vol 5



>Tracklist

01- The Love Theme [Nostalgia 77 Version] - Natural Self
02- Adagio In Wot Minor - Get The Blessing
03- New World - James Taylor Quartet
04- The Moon - Nostalgia 77 [Feat. Capstone & Lizzy Parks]
05- Dark Jazz - Parov Stelar
06- You and Me - Nostalgia 77
07- Quiet - Get The Blessing
08- Stop To Make A Change - Nostalgia 77
09- 68 On Third - Unforscene
10- The Fog - Parov Stelar [Feat. Jerry Di Monza]


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https://kickass.so/the-blue-note-collection-vol-5-t10017923.html